19号更新:国内周末前两天不太行,猫眼预测才三亿多,感到一丝丝失望。。。
10月17号更新2:看了娱乐资本论的报道,我才知道中国一口气就订了100套Cinity影院系统,为了完美播放120帧+4K+3D版本的电影,这又是一场豪赌的开始呀。。。
估计复星,华夏入场,会有更多中国投资人入场。。。
今天应该有30块Cinity投入商业发行运营,年底100块全部上线运营,片源只有一个——李安的《双子杀手》,我刚知道100块Cinity年底全部上线的消息,这对李安新片是彻底的Game Changer。。。
好吧之前还担心他国内票房不好,现在这么搞《双子杀手》120帧版本的全国发行期可以达到6个月之久,只要有人看就放,几个月之后票价慢慢阶梯下降,但还是会让影院很开心。。。
如果这样的话,李安这部1.4亿美金制作费的电影,可能大概半年后只从中国市场就可以收回大多数成本,因为国内目前我对中国消费者对新技术的天然好感,对李安的爱,《双子杀手》国内票房可能至少2亿美金起了。。。
我知道这个听着有点反常规,但我之前不知道复星和华夏订了这么多套Cinity呀。。。
他们可能把Cinity当做电影行业的华为发展5G了,这是直接先电影影院端从战略高度要领先好莱坞呀,然后再逐渐反向产业链布局。。。
相信上面思路张昭同志亦有贡献。。。
10月17号更新1:
娱乐资本论应该还是读了我写的《双子杀手》的文章——从“观察”到“感受”,这是我在豆瓣发这部电影技术角度理解文字的题目。。。
豆瓣链接:https://www.douban.com/doubanapp/dispatch/review/10575509?dt_dapp=1希望更多人能从不同角度多元化理解这部电影,不只是故事好不好看,不只是已经几十年习惯了24格建立的传统电影感。。。
有时候就是需要out of the box,跳出来思考。。。
关于120帧+4K+3D,还是要努力去了解它,感受它,对大脑学习感知模型的影响,或许我们正在进入一个新世界,大门正在向你敞开,你可以选择绕道走开,也可以选择帮着把门缝推得更大一点。。。
我一开始不太能理解为什么很多人会很轻易质疑李安,这可是世界顶级技术驱动创造的导演之一,还活着并在创作第一线的这样的电影创作者,屈指可数。。。
他在电影技术新边界上的探索,思考,实践应该远远领先于世界上99.999%的人,对于未知的东西,第一反应应该是了解,而不是下意识反对,仅仅出于跟自己的传统认知相悖。。。
国内需要更多这种艺术感知能力超强与技术宅男精神兼备的电影人呀。。。
所以跟上次《阿丽塔》一样,目前最合适跟卡梅隆和李安对谈聊电影制作技术的导演,可能还是郭帆。。。
——————下面是10月15号原答案我在我在参加克利伯环球帆船赛,第二场比赛从葡萄牙Portimao直接到乌拉圭Punta del Este,26天不间断航行5200公里,我所在的青岛号拿下冠军,在11艘70尺帆船中,第一个到达终点。
我睡了一觉,忙完Deep Clean,就打了个Uber去小城shoppingmall唯一一家影院,连续看了Joker和《双子杀手》,很可惜,这里《双子杀手》只有2D普通版(英文对白,葡萄牙语字幕)。
380比索票价,换成人民币也不便宜全船开完例会,我带着电脑来到游艇俱乐部的餐厅,我每天工作的地方,咖啡,可乐,一块披萨,然后大概用了大概三个小时从三个角度梳理了下《双子杀手》暂时我想到的。
全文大概八九千字,看完需要一点点耐心。
@张小北 的答案里很多内容我非常同意,我只是从我个人角度补充一些我的观察和思考,主要还是从我个人制片角度从几个不同侧面角度谈几个话题:1、”120帧+4K+3D“对主流电影的发展到底意味着什么?
(技术变革对创作理念的改变)2、虚拟角色到底虚拟的终极是什么?
(技术无论走向哪里,艺术性表达的终极目标并未改变)3、《双子杀手》市场前景和高帧率技术前景如何?
(电影经济角度,电影创作底层理念变化后具体的实现路径会很艰辛)先说第一部分:”120帧+4K+3D“三个关键词里,120帧是最核心的。
帧数也大概可以理解成对于眼睛而言银幕的刷新率,帧数越高,越接近肉眼观察这个世界的观感条件之一(注意是观感”条件“,而不是观感本身)。
很多人在谈高帧率都在谈对运动镜头的感受方式不同,当然没错,但本质上高帧率是银幕信息量指数级的叠加,因为通光量增大,观众直接感觉就是银幕变更亮了,其实是摄影机镜头捕捉画面的宽容度加大了,这就是为什么在120帧版本的《双子杀手》中多个夜景戏会变得让人发出wow的感觉。
所以之前有人说高帧率看着”像看电视“,这个描述不只是不准确,而且是错误的。
如果上一部《比利林恩》还让你有这种感觉,那是那部电影整体电影结构和场景设计侧重舞台化带来的副作用,这一部《双子杀手》虽然我没有看到高帧率版本,但通过普通版我应该可以判断出这次观众看高帧率版本,不会再得出什么”像看电视“这样的观感体验。
因为,120帧高帧率从根本上改变了观众与电影银幕的关系,也就是在从根本底层逻辑、底层结构上,在重新定义电影。
传统观众与电影银幕的关系,是一个在三维时空环境下的人,在对一个二维银幕上具有纵深感的影像与声音进行“观察”的关系。
120帧+4K+3D在模糊这种”观察“的关系,逐步转向沉浸式”感受“的关系。
因为传统相对低亮度的”观察“关系下的电影,本质是模拟古人类洞穴内围着篝火,看着墙壁人影进行的故事讲述场景体验,所以中国电影诞生期的电影理论有一种”影戏理论“,也是源于此。
这种从古人类洞穴围火谈话模拟而来的”观察“式场景,从电影诞生之初摄影机改造成可以公开银幕放映后形成,一直延续到现在,基本没有本质的变化,直到现在120帧+4K+3D的出现。
要知道这种”观察“式的电影观影体验,与人类日常生活中使用感官功能感知世界的方式是完全不同的——看电影是在封闭黑暗空间中通过有限度的亮度,在一个平面上观察一个心里知道是幻觉的影像世界,这是与现实不同的一个造梦世界。
这一切是由电影最初技术发展样态与最初人类愿意专注倾听故事、神话讲述的底层需求而来。
在现实生活中,白天、黑夜,我们对自然环境的反应机制完全不是”观察“式的,而是你我自然觉得我们就是生活三维空间中的一部分,这主要是以视觉为主的感官系统,对周遭复杂环境获取大量信息,不断累积训练和遗传演化的漫长过程。
比如视觉,人类的眼睛的宽容度和对远近自由快速变焦距离的迅速判断,是目前任何镜头无法实现的,我们是”沉浸“在现实世界中,我们在现实世界中获取信息的模式和彼此交流的方式与传统看电影银幕上的世界时获取信息的模式完全不同。
这就是我理解电影银幕对于我们,正在从传统的”观察“关系向”感受“关系快速发展的原因。
这种快速发展的紧迫感和真正动力,我不认为是来自电影内部,而是外部,最有可能的就是过去几年大型游戏的快速迭代和发展,从最初的理论到现在视听感受层面,开始具备了在网络上建立了与大脑信息处理模式可以接受的虚拟世界的能力,而且发展越来越快。
简单说,120帧+4K+3D是让大脑产生了一种全新的幻觉机制,比传统更像是让自己置身于三维现实世界中,但又不是。
比如银幕上中近景特写,人物在画面比例很大的时候,明显是不符合现实生活人眼透视关系,现实你要想看清楚一个人面部细微变化,你得贴得很近,但在电影院里通过120帧+4K+3D,你坐在影院最后一排可能也是看得一清二楚。
所以,它又是明显超越现实世界感官感知的。
所以现在很多人对120帧+4K+3D还并不能完全理解,是因为我们的大脑目前还没有形成对此认知和理解的模型,所以需要一系列全新的电影视听语言,来帮助观众逐步接受和理解一种全新的视听表达方式。
这就好比一个天生失明几十年的人,如果突然让他拥有了视觉,他只能”看到“这个世界,而不能”看见“这个世界。
他看到一张桌子,只用视觉,他无法理解这是桌子,也认不出来,只是一些杂乱的视觉信号。
如果你让他闭上眼,告诉他桌子的定义,结构,并让他摸一遍,就是用各种方式在进行系统化认知学习”什么是桌子“,脑子理解了,再睁开眼,这次他就能”看见“桌子了。
夸张一点讲,《双子杀手》李安呈现出来电影底层创新的内容,目前很多观众在看高帧率版本时,必然要经历一个从”看到“到”看见“的过程。
因为需要理解一个貌似容易理解,但其实本质已经发生变化的内容,需要大脑神经元重新建立彼此信号交换形式的认知模式才可以,这明显需要一个过程。
在”120帧+4K+3D“中,120帧是关键的关键,4K是为了满足承载信息量的画面格式,3D是模拟人类两只眼睛立体成像的前提条件。
所以,后两者是为120帧服务的,最终三者叠加,你会发现你跟银幕世界的关系彻底被改变了。
记得IMAX电影宣传口号吗?
Be part of a movie,成为电影的一部分。
现在”120帧+4K+3D“让你成为电影的一部分向前又推进了一步。
或者换句话说,如果要做120帧,4K就是套餐必选项,3D是可选项,如果都选,就是顶配。
但李安这次还不满足,在顶配上还加了一个——一个担任主角的以面部表情捕捉的数字虚拟角色。
第二部分:为什么已经120帧+4K+3D了,还要再加一个虚拟角色?
先说结论,我个人判断李安应该是认为虚拟角色是未来电影实现更高级“感受”型观影关系,最终实现完全“沉浸感”电影体验的必经之路。
虚拟角色从最早的动作捕捉(动画片为主),到现在的表情捕捉,对计算机技术与各种算法提出的更高的要求,下一个可能很难逾越的技术高峰,就是对眼睛的动感捕捉,人类眼睛目前可能是人体在传递情感层面,细微变化最丰富的一个感官,对于目前计算机水平来完全模拟人类眼睛的细节,还有距离,但我认为这是虚拟角色最终极的方向。
卡梅隆的《战斗天使》已经做出了第一步,为什么把Alita的眼睛不断放大,是有道理的。
那《双子杀手》到底为什么要加入一个虚拟化的年轻版will smith角色呢?
这个还是要从《少年Pi》开始观察和理解李安。
李安像很多伟大的导演一样,电影是用来理解人性的重要手段。
从《少年Pi》开始李安就开始通过电影技术边界的探索,试图对人性的思考更进一步,结果是相当成功的(也有与技术探索结合没那么成功的,比如当年他拍的《绿巨人》,实际上电影银幕上实现漫画感的视听语言系统,直到今年早些的动画片《蜘蛛侠:平行宇宙》才算给了一个相对成功的视听探索案例,李安对《绿巨人》漫画英雄电影在视听语言上的探索当年是非常超前的),然后他迈向了下一步——《比利林恩》。
三年前的11月,我买票去博纳悠唐看了120帧版本的《比利林恩》,当天回来就在知乎上写了一个回答,之后两天又更新补充过几次。
当时我对120高帧率几乎没有什么认知,当时觉得彼得杰克逊已经在测试48帧,可能是什么电影极客的业余爱好,并没有从电影本体论角度想太多。
直到看到《比利林恩》在现场有一种说不清道不明的异样感觉,我认为是当时我对大脑运作机制知之甚少导致,所以我看完更多的还是对电影内容上做了一些感观和评价。
但有一点我很明显还是感知到——就是120帧对人物特写镜头的重新发现。
所以我才从李安对人物内心世界、精神创伤角度,通过高帧率来塑造人物有了新的理解——通过特写(特别是眼神)让观众坠入比利林恩内心的无底深渊。
而这,正是李安对未来电影展现复杂人性的给出的一个答案——通过高帧率与4K+3D的组合,彻底改写传统电影语言的底层逻辑。
现在回看几年前,李安实在是太先锋了。
但题材的原因,《比利林恩》在预算限制下,只调用了一部分电影视听语言进行测试和探索,比如相对固定的场景、内景谈话为主,外景也是体育场舞台光效为主等。
这才是真的所谓戴着镣铐也要起舞。
正是因为我连续看了两遍120帧的《比利林恩》,所以这次看到普通版《双子杀手》,我就更加理解为什么明明视听语言测试范围进一步扩大的同时,还要特别塑造一个虚拟角色,因为这是一个继续观察复杂人性的升级版本的《比利林恩》。
真实演员表演传递出的复杂情感,通过表情捕捉的计算机生成的虚拟角色是否也能完成同样的任务?
结果很明确,李安还是做到了,这回大大的拓展了电影展现复杂人性的技术边界。
我上面提到技术发展对电影底层逻辑创新的压力,更多来自外部,就是大型游戏的发展。
以前虚拟角色的巅峰曾经是从《本杰明巴顿奇事》开始,包括《指环王》里的Andy Serkis扮演的Gollum,基本还是一个动作捕捉➕面部捕捉的非人类形象,此后很多电影都开始尝试把演员做年轻化处理的虚拟角色,但一般都不是主要角色,比如新版《创战纪》里年轻的杰夫·布里奇斯等这种。
可是在我几年前第一次玩到重制版的PS4独占游戏The Last of Us(《美国末日》)后,我才发现原来游戏行业已经突飞猛进到这种程度。
The Last of Us是一款高度电影叙事化的冒险动作游戏(也可以按照潜行类游戏来玩),完整的末日世界观,精湛的美术风格,完美的音乐和角色人物表演,最终通过游戏终端的操纵杆,快速实现了游戏角度的“沉浸感”。
同时你对两个主人公的人性复杂面,越来越了解,几十个小时后,你的心情会彻底被主人公的命运所牵挂。
最后游戏结束后,的确有种看完一部超长电影的怅然若失的感觉。
最近《底特律:成为人类》和《荒野大镖客2:救赎》的出现,又让游戏中对角色人物人性的探索和游戏层面的沉浸感体验达到了新高度。
那对于电影来说,时间很短,如何在两个小时,让观众体验到未来游戏所提供不了的呢?
李安给出的探索方式就是高帧率画面,因为他发现了高帧率下,人物的面部表情包括眼神的复杂情绪,将会准确捕捉到更多展现人性复杂化的信息量,并且可以在相对封闭的观影观景下,集中性提供给观众这种特殊体验感,游戏产品中,用户操作体验其实是区别于电影的一个重要维度,所以并目前高帧率的视听作品,目前暂时不是游戏产品强调的方向。
所以,如果更多的观众这次通过《双子杀手》开始接受虚拟角色的复杂性,并引发了强烈共鸣,夸张点说,这个有点类似“上帝造人”,李安无法抵制通过“造人”来探索复杂人性的诱惑。
用他自己的话说,应该是一种内心在不断召唤自己的使命感,在让他无所畏惧的尝试高帧率对电影本体的革新。
哪怕抛开之前所有作品,仅凭《少年Pi》、《比利林恩》和《双子杀手》三部通过探索电影技术新边界展示人性复杂化的电影作品,他对电影本体论的革新程度之大,放眼电影史,整体的开创性至少是格里菲斯级别的。
在我们过去二三十年,能同步见证李安逐步在电影艺术、技术与经济支持多角度同步探索边界的全过程,这是我们这一代观众的幸运,这个毫不夸张。
所以,如果你有幸看到120帧+4K+3D的《双子杀手》,从观察人性角度,你会有什么新的感受呢?
第三部分:《双子杀手》这回能赚钱吗?
李安自己焦虑就怕自己后面没片子可拍了,这是真的吗?
昨天看李安和张昭的访谈,突然想起来了去年金马他那尴尬的表情和紧紧握住的双手(不能鼓掌啊)的画面,看着开始花白的头发,莫名有种心疼的感觉。
他跑来中国宣传自己突破创新的电影作品,但始终却不断传递着“自我质疑”和对未来焦虑的情绪,可以想见他一方面内心无比坚定,但同时内心缺少知音而感到痛苦。
我个人表示基本乐观,虽然这次《双子杀手》网上预估是1.4亿美金制作费。
我回看了一下我三年前写的《比利林恩》的答案里,居然厚脸皮做了预测,当时预测内容如下:“本质上,这部李安新片是一部“实验电影”,因为关于新技术的应用,到底出发点是什么并没有一套让大众默认接受的成熟理论或说法。。。
目前的说法是,达到一种“浸入感”体验,这个方向我完全同意,但我其实也不确定120帧4K加3D是否是通往这个目的地的唯一路径。。。
这个路径本身还需要大量的论证,而非结论,所以李安新片,给我们看的就是他的一次论证,是一次大胆的实验,实验制作层面预算4000多万美金,这基本证明了好莱坞历史上可以接受实验电影的预算上限了。。。
从这个角度,李安目前在好莱坞的“权力值”一点不比卡梅隆差,要知道看看《泰坦尼克号》和《阿凡达》的剧本,就知道那是一个多么求商业安全的套路,而李安,如此大胆。。。
4000多万美金应该是经过测算的临界值了。。。
所以为什么影片主要场景如此安排,想来都是从整体制作规模,技术测试和挑战面对的制作周期,还有整体作者实验电影市场前景综合测算的结果。。。
理论上,只要这部电影整体不亏钱,李安下一部势必会选取一部制作费一亿美金到两亿美金的大规模商业制作项目,来继续他在电影本体层面的探索和实验(视听语言在面临着巨大的挑战)。。。
这种事的确只能在好莱坞去实现呀,所以读懂李安这部电影,除了单部电影层面外,李安对电影的企图心,我认为是在尝试让自己的作品同时完成“戈达尔+黑泽明”的效果,在先锋实验推动电影本体发展的同时如何保障足够的娱乐性。。。
所以《比利·林恩的中场战事》其实是一场“李安导演的垫场热身”。。。
”全文见链接:https://www.zhihu.com/question/43462863/answer/130765447看来上面三年前的我的预判基本在谱上,这次《双子杀手》预算刚好1.4亿美金,风格传统的科幻动作片,制片人是杰瑞布鲁克海默呀,这风格还真是他制片人的风格。。。
李安如何能安心拍下一部继续探索的电影呢?
我个人粗略估计——大概全球票房能够达到制作成本1.5倍,应该就不太影响他下一部继续大预算的电影制作,对于《双子杀手》大概就是全球2亿美金票房左右。
当年在《少年Pi》取得全球市场成功后,《比利林恩》作为先锋技术实验性作品预算只有4000万美金,最后全球大概收了将近6000万,大概北美和全球各收了一半,其中全球部分基本都是中国市场提供的。
中国大陆1.64亿票房里,120帧+4K+3D完整格式全国就当时好像就两块银幕,最后就收了好像3000万票房(印象可能不准确,欢迎纠错),两张银幕占了国内总票房的将近20%。
中国观众喜欢李安,哪怕拿着4000万美金做实验,咱们也支持。
这次《双子特工》估计还会支持,而且三年后的今天不可同日而语,相当多国内数字影院都可以支持到60帧+4K级别,有20多家可以支持完整120帧+4K+3D,所以我觉得国内这次整体能收1亿美金票房是正常的,毕竟抛开120帧、4K啥的,这也是一部二三线市场可以很好理解和接受的动作片。
但中国市场从来对新技术事物充满张开怀抱的勇敢心态,无论带来的结果是好的,还是不好的,照单全收,先干再思考,是中国实用主义的巅峰体现,出问题了再调整。
正是如此实用主义,所以才能出现很多好莱坞不可能完全理解的了的中国特有市场现象。
李安这次宣传来的时间有点短,其实可以预见,这次估计《双子杀手》一半左右的收入都会在中国,甚至更多,值得花更多时间让他本人对中国观众讲讲他对电影技术的理解和对电影未来发展的思考。
必须得他本人谈思想,谈理念,观众接受了你的理念和idea,你拍个鬼都去影院买票支持你呀。
当然对于电影创作者也的确无需要求太多,电影怎么卖,就交给发行方、宣传方去操心吧。
八卦下,刚才在网上有好事者发了两张估计是国外看片的截图,感慨说为什么科幻电影里总有可口可乐?
我看片时对两次出现的可口可乐经典红罐装印象深刻,不只是因为直接跟剧情有关,而且我刚刚克利伯前两场比赛里,发现我们青岛号船长Chris跟我多年越野跑一样,都爱比赛时候喝可乐,我26天的第二场比赛本来给自己准备了几罐,最后关键时刻送了船长两罐,跟他大喊:For Victory!(为了胜利✌)
年仅32岁,发量感人爱喝可乐的船长Chris最后,我按说回来,我们按上面逻辑再推导一下,李安下一部他自己内心真正想继续探索的电影的样子(不是他接活角度的片子,而是完全他自由发挥想拍的电影):1、继续将高帧率电影探索推到另一个高度,可能会是类似《阿凡达》《星战》那种更彻底未来世界美学观念的电影故事,因为可以配合出现更多可以展示复杂情感表达和人性的虚拟角色。
2、预算会更高。
因为前面我一直在说电影本体论的底层理念,但从理念到执行是非常花钱的。
这个从《比利林恩》到《双子杀手》制作角度的变化就可以看出来,《双子杀手》的剧本求稳为主,剧本的视觉结构的完整性是重点,就是好歹有了1.4亿美金预算,李安得把自己能想到的主流电影需要的基本场景、元素都测试一遍才行,把之前《比利林恩》之前没做完的测试继续做完,故事剧本必须满足这个条件。
所以这次在《双子杀手》中我们看到了特别多高帧率下的夜景(HDR高宽容度效果)、海上、水里的镜头、高速移动拍摄镜头,特写镜头也升级成虚拟角色特写镜头,这是全方位的测试升级。
摄影与后期制作的变革最大,比如打光的逻辑应该全变了,镜头调度与后期剪辑的思路也要变,表演方法上,连贯性就变得很重要,因为可能很多戏都不再依赖以前镜头剪辑出来的动作效果。
高速动作戏拍摄,现在实景拍摄带来的感受就跟传统加绿幕拍摄再合成明显本质不同(后者比如《John Wick 3》里面摩托车对砍大戏)。
然后拍摄时画面亮度提升之后,后期电影院放映的亮度也是提高了高几倍才对,当然还有对应的声音系统,估计也要全换。
所以钱包只要预算够,尽量选你所在城市的Cinity影院去感受一下,其次选择60帧版本看,应该大概2000家影院可以看60帧吧,够选了。
还有后期制作因为都是超大数据内容,整个剪辑软件、调色软件,估计全部都要升级换代,应该很大的创新开发工作量和学习适应的时间。
所以,上面付出的这些所有的积累,都会顺着这个方向上,继续向前探索。
在这种前提下,完全基于眼下时代的现实主义题材电影可能并不能发挥高帧率电影的核心价值。
最后,120帧+4K+3D就是电影的未来吗?
我真不知道。
我只知道,我们最熟悉的那几个名字的好莱坞电影大师都已经或多或少尝试过高帧率电影了,只有李安一骑绝尘,冲在了最前面。
它到底是不是电影的未来我不确定,但可以确定的是,如果不能有更多像李安一样敢于大胆创新、不断拓展艺术、技术与经济共同推动电影革新的边界,电影是没有啥未来的。
回答问题结束,下面是我的电影课的《雅荻学堂》的上线硬广,可跳过。。。
————————从2018年我就在想做一个制片人角度如何多角度理解电影的内容分享,大概准备、测试了大半年,赶在8月我前往伦敦参加克利伯环球帆船赛,终于和“新片场”合作录制完毕,已经上线,10月25日开课,现在正在半价预售。
众多一线电影人推荐《雅荻学堂》预告https://v.qq.com/x/page/z3006ch9ycy.html今年春季后,我自己在家录Vlog说了一段《流浪地球》一口气聊了几十分钟,导演郭帆看了就直接微博转发了,还给了个评论说“迄今对这部电影最佳解析”,搞得我很不好意思。
后来每次见,他还问我“你干嘛不直接弄个视频课啥的”。
其实我也想呀,但不能随便弄呀,此后半年就家里各种翻书、上网查资料,同时自己做了一些vlog做测试,反馈都还不错。
然后我是“得到”“看理想”重度用户,去年开始就为了了解让更多专业知识在网上传播一些成熟的产品样态。
最后我还是觉得应该做视频形式,不是音频形式。
跟“新片场”一拍即合,然后就是卡卡就是干了。
《雅荻学堂》第一季13课,正课我一口气一周内录制了30个小时,内容挺多的。
最后剪辑出来时间长度我不知道,现在新片场团队给标题叫13小时改变啥世界观啥的,不用太纠结,我环球帆船赛这一年,只要上岸就回答提问和录制一些专题加餐课啥的,估计几十个小时少不了,反正性价比得高。
我自己第一反应的定位是“电影制片人版本的《晓说》”,新片场觉得不错,就延用了。
上个月在伦敦比赛出发前两天,我在伦敦给几个前辈、好朋友发了微信,请他们给帮着说两句推荐吧。
因为都是熟人,对我也比较了解,没想到大家都特别热情,几天之内收到了几十位电影导演、编剧、制片人还有各种好朋友的回应。
看完我都怀疑了,这说的是我吗?
但有一点可以确定,暂时在他们眼里,我超马越野跑和即将环球帆船这几年,我并没有停下对电影行业的观察和学习、思考,并实践,继续开发自己内心真正呼唤我的电影剧本。
可能下面推荐《雅荻学堂》这门课的视频里,他们可能都会有个小小的共识:“雅荻这几年聊电影认知,可能比他现在做电影制片人老本行还要靠谱。。。
” 我权当这是从另一个角度对我的认可吧,我脸皮厚,接得住。
这门课,应该也值得大家花掉的时间。
现在是新片场开课预售优惠期,应该是半价,10月25号正式开课恢复全价。
我看了下,基本就是两张电影票钱,你要看120帧的《双子杀手》可能买一张都不够。
插一句,新片场学院的年轻团队,非常靠谱,专业,效率高,我很佩服这些90后年轻人,我都能从他们身上学到很多。
我希望《雅荻学堂》是我的一个自省过程,一个自我对电影认知不断自我学习过程的展示,所以一定各种不完美,各种不足。
但我想继续多干几年,多出几季《雅荻学堂》。
就像10年前,我跟小北做了《每周影评》大概一干就是五年,后来我2014年,因为环球越野跑,开始干了《雅荻跑世界》,到今年也是五年了,接着克利伯环球帆船赛这一年,应该还会接着做下去。
希望《雅荻学堂》能有更多热爱电影的朋友聚到一起,互相讨论,我也有更多动力,继续多做几季(其实第二季和第三季做啥,我心里大概都有数了)。
进入行业干电影20年,我从2004年开始在北京电影学院讲课,到现在每年都回北京电影学院创意媒体学院讲课,在专业院校讲电影也大概15年经验了,如果这次要做一个线上的电影视频互动课,我主要还是用电影案例分析的思路,用“三位一体”进化的思维来重新理解电影。
我希望能自己不要有什么保留,做到极致。
这次做成付费内容,就是赚钱就是这个当今社会衡量自我价值绕不开的现实标准之一,我并不想做得扭扭捏捏,用自己工作时间和学习认知累积的内容网上分享赚钱,没啥不好意思啥的。
我特意花了不少钱和时间把网上已有一些在线电影课挑着看了一下,发现还真没有从我制片人角度来讲电影认知思维的,所以希望这是一个能让大家引起兴趣的开始,然后一起努力,从更多有价值的角度重新理解电影,重新理解彼此,也就是重新理解生活。
还是那句老话:热爱电影的我们,终将找到彼此。
————————————————《雅荻学堂》第一季 电影产业破壁课:13小时重塑电影世界观(可以打开网页版,也可以下载”新片场“APP,在新片场学院中点击)课程介绍:(图片版)主要分为三部分:电影是经济的,电影是技术的,电影是艺术的
【雅荻学堂】第一季课程大纲【众多电影同行推荐语】
众多一线电影人共同推荐我希望我能接得住这帮电影前辈和好朋友的赞赏与期许,所以这个事为了这份信任与支持,我得坚持做下去。。。
不知你看完这些推荐啥感觉,我还是会脸红的,好在脸皮足够厚,一般人当面也看不出来。
我在邀请这些好朋友帮我录VCR和推荐语时,都会把课程详细大纲文字内容先发给他们看,等他们看完,基本都给了特别热烈的回复和肯定,心存感激,再次对信任和支持的业内朋友表示感谢。
关雅荻2019年10月14号
无论是对导演也好,歌手也好,当他们的一些作品成为了经典以后,我们总是在期待这样一个有才华的文艺创作者能拿出“和过去一样水准”的作品。
因此,当越来越多曾经喜欢的歌手改编曲风,喜欢的导演改变电影风格,我都会感到出奇的愤怒。
无论他们是出于市场需求还是放飞自我的心态,这都会让我感受到一种作为粉丝的背叛——可我也依然年复一年地等待他们的下一部作品,期待他们能够“重归本真”,做回和最初经典一样的作品出来。
我最终在去年暑假放弃了这样的想法。
不知道你们有没有想象过,未来有一天再也不能吃到妈妈烧的菜的日子。
我曾经以为这一天离我很遥远,直到我妈开始从微信上学会了养身。
几年没有回国,每天都在国外对我妈烧的菜朝思暮想,上班想糖醋小排,下班路上想油面筋塞肉,晚上刷牙想韭菜饺子。
结果下了飞机,问我妈晚上烧什么好吃的,我妈:凉拌海带折耳根。
从此以后我就被迫和“童年母亲的味道”断奶了——但也因此开始重新审视如今那些背弃经典的老牌文艺创作者的新作品。
显而易见的是,大多数老牌导演都不再重复过去的自己了。
尽管如今的观众对他们现在的作品褒贬不一,我们仍然能在这些作品上看到许多不一样的突破。
无论是从剧本题材上、技术上、还是其他各方面因素上,他们仍然可以给观众带来许多不一样的期待和展望。
而李安正是其中最为突出的一位。
从剧本角度来说,《双子杀手》中所论述的“我!
杀我自己!
”和克隆伦理已经是影视作品中不再新鲜的题材了。
更何况,这是一本好莱坞酝酿了22年的剧本——1996年,第一只克隆羊多莉刚刚诞生的时候,就已经萌生了《双子杀手》这部电影的想法。
技术问题导致了电影项目的搁置,同时也不可避免地让整个故事随着时代的发展,失去了新锐的光芒。
尤其是在如今动作片泛滥,越来越多的动作片为了吸引市场,正逐步从“科幻动作片”“魔幻动作片”发展为“违背物理定律的超现实动作片”等匪夷所思的行为,《双子杀手》很难在这样的情况下脱引而出,逃离“平庸”的标签。
李安却带着“120帧+4K+3D”技术来了。
我曾经和朋友吐槽,说如果非要拍克隆题材,“51岁有着中年危机的太太在生日这天回家发现老公和自己23岁的克隆人搞在一起了”远比“51岁的杀手被自己23岁的克隆人追杀”看点有趣得多。
毕竟,说真的,如果克隆人真的渗透到了我们的现实生活,前者发生在自己身上的概率远远大于后者,但似乎从来没有导演为人类这样选择两难的未来而感到担忧过。
结果在我看了《双子杀手》以后才发现,原来李安为我们展现的是我们还未曾观测到的现在,而不是一个充满未知数的未来。
我还能记得三年前120帧版本的《比利林恩》上映时,大家为了得到最佳观影效果,做足功课、抢购特定影厅的电影票的情形。
在那时,《比利林恩》成为了电影创新技术的一个里程碑式的成果,从来没有人能想到竟然有商业电影的规格会超出普通影院的配置,更没有人能想到在短短三年时间里,李安又创造出了一部更加创新、技术更加前沿的作品。
相比《双子杀手》,《比利林恩》更像是李安的一部实验品,让《双子杀手》成为了一部技术成熟下效果更为精湛的作品。
首先,120帧+4K+3D意味着什么?
帧率简单地来说就是一秒内播放了几张(帧)图像,帧数越高意味着每秒播放的图像越多,也更加流畅。
定格动画属于低帧数映像,每秒只有几帧;普通电影的帧数为24帧,这已经是肉眼能感受非常流畅的帧数了。
《双子杀手》的帧率高达120帧,能让人肉眼看到的影像远远超越流畅,更加丝滑,也更接近人眼在现实生活中看待事物的流畅程度。
一秒9帧和一秒6帧可以看到的动态影像区别4K可以让人看到超高清的影像,因此120帧+4K的效果就是,你的眼睛不仅在观影过程中接收了比普通电影更多的图像,看这些图像还非常清晰。
这样的效果在飞驰物上的观感体验会更为直接,因此李安在预告片和电影开头,就给观众安排了威尔史密斯千里射火车的情节——一开始我以为是李安想给男主塑造超现实的主角光环,直到我看到火车飞驰而过的时候,竟然还能看清每个乘客的脸时,我才意识到李安只是单纯地想直截了当地展示这部电影的技术……120帧+4K的效果可以逼近我们在现实生活中肉眼所捕捉到的平面视觉效果,在这个基础上,李安又加上了3D,使景象能够环绕于观众眼前,这让整部电影的观影效果更上了一层台阶——你可以感受到现代电影技术正在尽可能地在荧幕上还原肉眼观测到的真实视觉效果,这才是真正的浸入式观影体验。
这可能也解释了为什么电影中出现了这么多水底,以及从水下浮动到水面的场景。
其他电影里的水底就只是水底,《双子杀手》的水底在技术处理后更加还原了水荡漾、清爽的本质,让人很难去忽视那些丝滑流畅的水波和跃动的气泡,是这部电影在观影体验中最让人印象深刻的部分之一。
其次,本片夜景也是技术亮点之一。
后半段大部分时间都在夜景中完成,李安解决了普通电影中夜景常常很暗,看不到许多场景细节的问题,让人有眼前一亮的感觉。
其中一段很重要的打戏在人骨墓穴中完成,我在观影的时候觉得李安取景在满是骷髅的墓穴是想讨论克隆人生命的哲学问题,现在仔细想想,很有可能也是在利用满墙的骷髅尽可能地为观众展示这部电影的画面效果。
除了120帧+4K+3D的画面技术,本片另外一个最大的亮点就在于让51岁的威尔史密斯返老还童,让他和自己的23岁童颜克隆人一起演对手戏。
为了让童颜版威尔史密斯看起来更像真实的人,剧组参照了很多他年轻时候的视频素材。
电影里的克隆人——23岁的威尔史密斯对于威尔史密斯认出克隆人的剧情设置也很直接。
在别的电影里,超人带上眼镜就没人认得出他是超人了,柯南美黑一下也没人认得出他是柯南了——克隆人刚出场的时候戴了个墨镜和帽子,和51岁的威尔史密斯经历了上蹿下跳飞车互殴对狙等一系列对手戏,所有人竟然都一眼就看出来他们俩长得特别像!
可能是这么多电影里视力最正常的角色了。
两个威尔史密斯的追逐戏电影取景也仿佛让人觉得是个大型旅游宣传片,从色彩缤纷、艺术作品充斥大街小巷的哥伦比亚、布达佩斯雄伟壮观的大型浴场到最后的地下人骨墓穴,总会让人在观影之余留恋在场景的细节之中。
这也是120帧+4K+3D的技术使然——在观影过程中会为观众展示出更多在日常电影中难以注意到的细节。
电影取景地,布达佩斯的浴场可以发现,尽管《双子杀手》的剧情不是本片的优势,本片的视觉技术却完美地弥补了这一点。
反过来说,如果不是《双子杀手》这部动作片的剧本,如果它只是一部普通的剧情片、爱情片,导演也很难在最大程度上为观众展现当今电影技术的最佳效果。
在过去,我们常常认为电影技术应当服务于剧本,只能让剧情锦上添花,却无法为电影雪中送炭;在这里,电影剧本和电影技术互相服务,如果要拿出20多年前那部同样作为动作片、名声远扬的《卧虎藏龙》,我们不能将它们进行单纯地比较。
因为《双子杀手》远远超越了它作为一部动作片的分量,而是一部充满技术挑战性的实验电影,注定成为一种电影的标杆。
也正如我在前文所说,李安为我们带来的是一种我们未观测到的电影技术现状。
他让观众可以兴奋地预想未来电影的发展,让人发现原来现在的电影技术已经可以如此逼近肉眼的视觉效果。
如今的焕颜技术已经到了可以以假乱真的地步,那么有实力的电影演员是不是就不用再畏惧衰老,新生代的电影演员会不会再演技上更加努力?
如果和deepfake技术相结合,那我们是不是也有机会在荧幕上看到已故演员重新登上荧幕?
作为一名华人导演,李安走在了世界的前端。
如果李安还是那个《卧虎藏龙》、《饮食男女》中的李安,如今《双子杀手》的创新观影体验或许会更晚一点才出现。
我觉得这就跟我妈教我对凉拌海带折耳根的态度一样——你可以觉得它不好吃,但你不能否认它是个好东西。
所以,请记得去高配置的影厅观看本片——这样才能真正体会到《双子杀手》的精髓所在。
《双子杀手》一直深受影迷期待的电影,李安+威尔·史密斯的配置使得这部电影成为了年度必看。
然而目前豆瓣评分仅7.1分,在李安电影生涯中倒数第3,仅次于《绿巨人》和《圣子》。
外媒比豆瓣更为苛刻,MTC只有38分,烂番茄新鲜度只有25%。
其实7.1分不算太低的分数,但考虑到李安多部电影评分都9分左右,所以不得不说几乎从不失手的李安这次还是失手了。
电影上映前,所有的宣传都是围绕120帧的技术;电影上映后,网友也是夸这部电影的视觉效果。
但很少有人说这部电影讲了一个好故事,或者给人带来了怎样的思考。
这也意味着不管是片方,还是观众,潜意识中这就是一部普通的好莱坞大片。
看到人们用以往夸好莱坞大片的方式来夸李安的电影,这种感觉很奇怪。
李安的电影一向是以剧情著称,为什么这次大家不夸剧情了?
我们回想一下网友评价《喜宴》《饮食男女》《断背山》……的时候,他们讨论的都是什么?
讨论的是剧情、表演、情感、内涵、哲理等等。
即便是作为商业大片的《少年派》,网友讨论电影的隐喻、传达的思想也远远比讨论视觉效果的多。
反观现在,网友纷纷吹《双子杀手》的视觉效果,却没有多少人吹剧情。
这是不是也意味着《双子杀手》除了视觉效果以外没有什么可吹的了?
不仅没有可吹的,恰恰相反,剧情还存在着很大问题。
首先是大反派克雷为什么会派小克去杀亨利?
克雷最怕的是什么?
最怕的就是小克知道事情的真相:他是克隆人,克雷不是他的养父,克雷说的一切都是骗他的。
既然如此,克雷为什么还要让小克和亨利见面?
果然,小克一看到要杀的人和自己长得一模一样,就开始怀疑这次行动有蹊跷。
小克的内心本来就有所动摇了,再加上亨利和丹妮的一番话,直接就把他策反了。
如果克雷不派小克去,而是派别人去,就不会出现被策反的问题。
即便是行动失败了,小克也没有和亨利见面,也就不会知道自己的真实身世。
克雷有那么多人手,派谁去都可以,为什么非要派小克去,最终导致小克和亨利联合起来对付自己,这不是自己给自己找麻烦吗?
看到后面你会发现除了小克之外,还有一个亨利的克隆人,我们暂且称他为克隆人2号。
克隆人2号比小克更适合做杀手,因为他没有痛觉,感受不到疼痛。
他也没有自主意识,没有情感,也就没有被敌人策反的危险。
派他去杀亨利不是更好吗?
有句话是这么说的:大反派/主角有怎样的秘密武器都不奇怪,奇怪的是为什么他不一开始就用,非要在最后才用?
要是一开始就派克隆人2号去,行动早就成功了,哪还有后面的亨利、小克联合起来一起对付自己。
亨利、小克、丹妮三个人加起来才勉强打得过克隆人2号,要是克雷一开始就派克隆人2号去,亨利没有小克的帮助,行动成功的概率大大增加。
为什么不一开始就派克隆人2号去,唯一的解释就是为了让电影最后有一个反转。
你一直以为亨利的敌人只有小克和克雷,其实除了小克之外还有一个克隆人。
但是反转之后,观众会去思考这个反转合不合理,最终产生“为什么克雷不在一开始就派克隆人2号去杀亨利”的疑问,那么这个反转就是失败的。
并不是一部电影只要有反转就是神作,关键在于这个反转是否和前面的剧情形成冲突、是否符合逻辑。
比如《少年派》最后的反转,派说的另一个版本的经历,就是非常成功的反转,直接让整部电影上升了好几个层次。
如果没有这个反转,《少年派》的口碑绝不会像现在这么好。
而且这个反转并不是强行反转,而是有真实事件的支撑——“木犀草”号沉没事件,这也正是李安真正想要表达的主题。
前面全都是烟雾弹,都是为最后揭晓故事的真相做铺垫。
相比之下《双子杀手》的反转就很失败,不仅没有起到升华主题的作用,反而还让电影多了一个bug。
除此之外,两个人打着打着就和好了,然后一起对付大BOSS,这种剧情也太老套了,我已经数不清有多少部电影是这样的剧情了。
电影上映前的宣传都是男主角亨利被一名比自己年轻25岁的克隆人杀手追杀。
大家就是奔着两人的打斗来的,结果你告诉我他们打到一半就和好了?
看的就是打斗,谁想看你们和好啊?
同样是“自己打自己”的《环形使者》就耿直得多,年轻乔和老年乔是真的你争我斗,绝不妥协。
年轻乔想要完成任务赶紧退休,老年乔也有他的目的,两个人(其实是同一个人)都为达目的誓不罢休。
大家都是第一次做人,凭什么要让着你?
这种有私心、有欲望、有心机的性格,其实更容易被观众接受。
合家欢电影已经看得够多了,大团圆结局也司空见惯了,想看点黑暗点的。
既然要打,就争出个你死我活,不要洗白,不要和好,不要用善意来感化对方。
随便举个例子,比如亨利试图策反小克,然后小克假装被策反了,实则是骗取亨利对他的信任,然后趁亨利失去防范心理的时候反杀他,这也比两人和好更有看点。
同时上映的《沉睡魔咒2》也是这个问题,人类和精灵斗来斗去最后竟然和好了,真的是强行合家欢。
小克身为一名军人,服从命令是天职,结果亨利、丹妮几句话就把他策反了,未免成功得太容易。
恐怖分子被洗脑了几十年,要是三两句话就能被说服,世界上就没有那么多恐怖袭击了。
为什么人们常常说不要试图和网络喷子讲道理,原因就是你几句话不可能改变他几十年形成的想法。
网络争吵的结果100%是两个人都没有说服对方,依然觉得对方是傻逼。
网络喷子都那么难以说服,更别说一名杀手了。
不过话又说回来了,威尔·史密斯的演技还是很精湛的。
一人分饰两角的电影看过很多,但像威尔·史密斯这样能把两个人演得迥然不同而又立体丰满的还是不常见。
有些电影虽然也是一人分饰两角,甚至三角,但是演员演技太差了,导致三个角色完全没有任何区别。
《双子杀手》中,亨利成熟、老练、心思缜密,小克稚嫩、天真、乳臭未干,威尔·史密斯真的演出了两个不同的人的效果,没看过演员表的还以为小克是另一个人演的。
遗憾的是,威尔·史密斯的演技也只是整部电影为数不多的看点之一了。
说到底,《双子杀手》其实就是李安自己的故事,他就是男主角亨利。
如今的李安成熟、聪明、经验丰富,但是却比不上更年轻的自己了,正如亨利打不过小克。
亨利看的太多,想的也太多;小克太单纯了,他什么都不会,只会杀人,所以能把长处发挥到极致。
李安也是如此,以前他只会拍剧情片,就把剧情片拍到极致,即便是《卧虎藏龙》《少年派》也是凭借文戏收获如潮好评。
现在他迷上了技术,开始追求帧数和视觉效果,然而他最大的优势——剧本却大不如前,最终形式大于内容。
形式上是突破,内涵却空洞单薄。
表面上是进步,其实是一种退步。
视觉效果出彩,剧本薄弱,甚至低劣,这完全就是常规的好莱坞大片的特点。
对其它导演而言《双子杀手》就是一部中规中矩的好莱坞大片,但对于李安,这部电影只能算不及格。
不是《双子杀手》太差,而是《家庭三部曲》《断背山》《少年派》……太好了。
如果我们给《双子杀手》打高分,那就对李安以前的作品太不公平了。
《双子杀手》这样的电影已经有太多太多了,好莱坞每年都要出几十部;但是像《家庭三部曲》《断背山》《少年派》这样的电影,要很多年才会出现一部。
这个世界从不缺好莱坞大片,缺的是李安这样的好导演,或者说曾经的李安。
亡羊补牢,为时未晚。
希望未来我们还能看到那个熟悉的李安。
前言:此文是去年为微信公众号撰稿的一篇稿件,但最终因为一些原因没有发出来,本着不浪费的原则,在豆瓣发一下。
最近身边所有朋友都在问同一个问题:《双子杀手》,好看吗?
李安的作品,本不需要发出如此疑问,但口碑表现着实让人担忧。
欧美惨遭评分滑铁卢,烂番茄新鲜度25%,MTC评分38,比大烂片《自杀小队》和《黑凤凰》都低。
内地表现相比之下好一些,豆瓣7.1,然而点进去看评论却是呈两极分化,一方盛赞技术,一方痛批故事。
抱着粉丝期待和好奇心,我早早去看了午夜场。
1.首先要泼一盆冷水,高帧数的确有很多优秀之处,更高动态清晰度,更流畅,更真实。
像是三年前的《比利林恩的中场战事》,男主流下眼泪的镜头,在大银幕上纤毫毕现,有一种如丝般顺滑的流畅。
但高帧数的一大问题却很少有人指出:它会破坏“电影感”。
很多看高帧电影的人第一反应都是不适应,演员仿佛被加速了,画面似乎变廉价了,让人产生一种在看电视剧的错觉。
那是因为电影本来就是一门虚构艺术,是假的艺术。
认为电影是在还原生活,这是极大的误解。
事实上从布光,表演,剪辑,情节,它都在对生活建立屏障来构筑一个光影世界。
而在这当中,最隐秘的一处就是帧数。
电影画面和我们肉眼看到的连续动态并不一样,它是以每秒24帧连续播放静态图片的形式,利用视觉暂留原理形成的“伪动态”。
这便是电影感最大的来源,不信你可以试试,用16:9的画幅24帧去拍段小视频,是不是轻而易举就有了电影的感觉?
因为潜意识里明白电影的虚构性,观众得以接受电影背后的人为设置和夸张,哪怕注意到破绽,也会在大脑里自动略过。
而高帧数恰恰就因为太“真”,和电影的“假”产生了排斥反应,这个问题在《比利林恩》中就很明显,那些我们看惯了的摄影机运动,演员调度,在过于真实的画面下突然变得突兀。
不过,你若以为我是要批评《双子杀手》的高帧率,那就大错特错了,事实上它的违和度这次得到了很大改善。
还记得预告片刚出来的时候,很多人发出质疑:怎么画面看上去这么廉价?
的确,《双子杀手》布光非常平淡,整体欠缺层次,布景和服装也十分朴素。
和同是动作片的《疾速追杀》画面一比,差异更明显。
但如今看来,李安完全是有意为之,因为高帧率电影“半真不假”的尴尬,李安完全摒弃掉传统的风格化摄影,转而追求类似肉眼的低对比。
最令人印象深刻的莫过于那段摩托追逐戏,李安充分发挥了高帧优势。
用大量高速运动镜头,和复杂的画面调度创造了前所未有的视觉体验。
比如白鸽飞起的一幕,电影院里看相当惊艳,仿佛就在眼前飞走。
另一段第一视角的摩托狂飙长镜头更是让人震撼,两旁景色不像普通电影那样花成一片,而是极其顺畅的向后退去,如同自己就坐在摩托后座上。
从剧情片转战动作片,李安的选择十分聪明,《双子杀手》强调的不再是形式化的美感,而是力求真实的氛围代入,临场体验,和高速变换的动作场面,而这恰恰是高帧所擅长的。
2.但遗憾的是,《双子杀手》的动作场面,撑死只占个20%。
哪怕动作片,大部分时间也得拿来讲故事,而这正是《双子杀手》的致命软肋,剧本乏味而无趣:特工亨利从情报局退休,却遭政府追杀,而杀手,竟是年轻了20多岁的自己的克隆人。
故事设定虽老套,但看着至少是有趣的,也能勾起我的好奇心:亨利为什么被追杀?
克隆人被造出来的目的是什么?
背后是否有更大的阴谋?
两人见面后,会产生怎样的情感火花?
这些问题一个个从我脑子蹦出,事实上剧情若能有高完成度的后续发展,将它们一一呈现,未必就不好看。
然而《双子杀手》却选择了最俗气,最无聊的解答方式。
亨利为什么被追杀?
因为他知道了政府的秘密。
克隆人被造出的目的是什么?
因为亨利是最强特工,所以要克隆他。
背后还有更大阴谋吗?
没有了。
你在预告里看到的内容,基本就涵盖了电影的大部分剧情,追杀开始后,真的就从头到尾只剩下“追杀”这一件事,两方就像龟兔赛跑般一个追一个跑,直到最后大决战。
什么迷案,意外,反转,通通没有,情节沿着一条毫无起伏的直线走,这种早已看过八百遍的烂俗套路根本撑不起两小时的戏剧冲突。
当然,并非所有的类型片都必须要走紧张刺激,依靠高戏剧冲突来吸引人的路子。
比如《银翼杀手2049》,它的故事也平,但依靠出色的人物塑造,对“人造人”对自我归属寻找过程的表现,依然好看。
说起来《双子杀手》和它还有点像,克隆人小克也是人造人,他也对“我是谁”感到困惑,面对要杀的人竟然是自己,他十分矛盾,不知如何抉择。
可他在自我怀疑后,和男主的交锋就是打了一架,话都没说几句,然后回家质问“父亲”一番,便毅然决然的倒戈了。
相比复制人K立体鲜明的人物塑造,小克完全是空洞的。
你感受不到他的性格,有的只是标签化的青少年式冲动,鲁莽天真,只是男主的一个镜像人物。
而亨利的处理甚至更加乏味,作为主角,他只有外在危机,即被追杀导致的生命危险,内心却从未有过质疑。
为什么像《谍影重重》《这个杀手不太冷》这些动作片被奉为经典?
因为它们并不只是动作戏好看,主角更永远会处在艰难的抉择当中。
我该执行任务,还是服从良心?
我该帮助小女孩,还是保全自己?
李安《色戒》中的王佳芝也是典型,她一方面为了国家,接近易先生来暗杀他,可另一方面却又爱上了他,不想他死。
正是这种“两难”,才让人物出彩,电影好看。
反观亨利,他在遇见克隆体后,想法非常单一。
那就是要帮助对方,逃脱被人类掌控的命运,全然没有内心挣扎。
女主角更因此成为一个可有可无,只能用来打架的“逆向花瓶”。
缺乏复杂的情感内核,让故事的精彩程度又降一截。
说实话,我能感受到李安在竭尽全力提升《双子杀手》的思想高度和人文气息。
比如将霸权的父子关系,代入到反派和克隆人之间,试图引发观众对其的反思。
可强扭的瓜不甜,强行拔高的差剧本也不可能真的优秀。
在这种别扭创作模式下,最后电影给人的感觉,用个粗俗的比喻形容,就好像你在交友软件上收到一个肌肉帅哥的约炮邀请。
你兴冲冲的跑到酒店,裤子都脱了,结果人家跟你说,其实我不想ooxx,我想跟你弄点有深度的,咱聊聊文学吧。
你说行,聊文学也可以,然后你已经把杰克凯鲁亚克,威廉福克纳等名字挂嘴边了,准备好跟他讨论英美小说史了。
肌肉男悠悠从身后,拿出一本《悲伤逆流成河》。
3.不得不承认,李安确实失手了。
《双子杀手》当然算不上烂片,至少它的逻辑是顺畅的,没有雷点,没有侮辱智商的地方。
它的技术也是实打实的,4k+3D+120帧,CGI还原始皇20岁的脸。
但是我们对李安的要求,他自己的要求,难道仅仅只是“不烂”而已吗?
李安是什么人?
是华语电影界的骄傲。
他拿过两次威尼斯电影节最高奖,两次柏林电影节最高奖,两次奥斯卡最佳导演。
哪怕放眼全世界,成绩都少有人匹敌。
他的作品雅俗共赏,评论家爱看,普通观众也爱看。
他拥有极其稳定的创作水准。
无论是借同性关系诠释家庭的《喜宴》,用恩仇意写江湖的《卧虎藏龙》,还是视觉绝美,故事又耐人寻味的《少年派》。
无一例外都是既有观赏性,又有深度的佳作。
就算是比较有争议的,像《比利林恩》,其包含的反战主题也很值得品味。
爱电影的人是很难不喜欢李安的,喜欢他的细腻,他故事里的人文气息。
他的片子带着一种东方人特有的含蓄,和四两拔千斤的厚重与犀利。
可这次《双子杀手》,大家都是怎么夸的?
技术太牛逼了!
画面太惊人了!
飞跃!
大胆!
突破!
而真正关键的故事,主题,思辨。
全然避之不谈。
说句过分的,上一次看到类似的讨论情况,是郭敬明的《爵迹》。
各种拿技术做招牌,最后拍成什么样大家都看到了。
当然郭敬明和李安是不可相提并论的,《双子杀手》的技术也是真技术,不是骗钱的幌子。
但我要说的是:当你以技术作为电影唯一的优点去称赞,本质就是否定了它作为电影更根本的价值。
很简单,因为没别的可夸了。
事实上,那些被公认技术牛逼的经典之作,牛逼的真的就只有技术吗?
卡神的《泰坦尼克号》和《阿凡达》,故事难道不精彩,情感不动人吗?
再看李安自己,《卧虎藏龙》在当年的华语片内,绝对是顶级配置存在,摄影和武打戏到现在都没有能超越的。
可我们夸它时,夸的是什么?
是它绝佳的意境,它体现的江湖人情。
《少年派》更不用说,奥斯卡最佳视觉效果。
可上映后大家讨论最多的是什么?
是派口中那个“真正的结局”,故事的隐喻和内涵。
技术本是给电影增色用的,但当它在人们的口中本末倒置,变得比电影本身还重要,我们夸的还是电影吗?
其实去看一些李安的访谈便知,他运用高帧技术,目的也是为了发展电影艺术,让它拥有更多不一样的可能。
别人问他:失败了还会继续拍吗?
李安笑笑:当然拍,只要有人愿意继续投资。
他说希望自己能年轻二十岁,这样才有更旺盛的精力去拍电影。
李安看似温吞好说话,内里其实全是芒刺,他有主见而固执,所以即便65了,依然像个年轻人般努力。
这样的形象,是不符合中国人传统定义的,在大部分人印象里,年纪大了就该好好退休,颐养天年。
可李安偏偏就是个反传统的人,从《推手》到《喜宴》,甚至到《双子杀手》,你都能看到他骨子里的反叛,他的敢。
那么这种时候,还用某种“宽容”态度去对待李安,因为技术好,就原谅电影的一切缺点,生怕他从神坛上摔下来。
这真的是爱电影,爱李安的表现吗?
换做李安,他希望自己的观众是那样的吗?
答案不言自明。
十一档期过后,如果说还有期待的新片,必然是李安的《双子杀手》。
这位拿遍了奥斯卡、金熊、金狮的大导演李安,近些年仿佛变了一个人,开始痴迷于技术。
《少年派的奇幻漂流》尝试了3D,《比利·林恩的中场战事》体验了前所未有的120帧,而到了这部《双子杀手》,不仅继续带来120帧+4K HDR+3D的高规格,又用上了最先进的特效。
李安和维塔工作室合作用CG技术制作一个20多岁年轻版威尔·史密斯,这在电影史上是绝无仅有的。
120帧+4K HDR+3D,激活3D电影与数字电影潜力对电影制作稍微有一些了解的人都应该知道,电影世界统一的规格是 24帧/秒,也就是一秒钟有 24 个画面。
其实这并不是从电影诞生就定好的,早期各个电影人拍摄的帧率也各有不同,例如早期卢米埃尔兄弟拍摄的是 16帧/秒,而爱迪生则推荐采用 46帧/秒进行拍摄。
最终是在 1929年的国际会议上,将电影的帧率定位 24帧/秒。
除了技术原因,采用24帧/秒更重要的是经济因素,尽量减少胶片的使用成本。
在胶片时代电影一直是一种昂贵的艺术,因为胶片实在是太烧钱了。
如果拍摄帧数越高,那么胶片消耗也就越大,自然也就越贵,24帧相对控制了胶片的成本。
随着科技的发展,对于现在数字时代的观众来说,24帧早已不能满足观影需求了。
首先,在 24帧情况下,快速运动镜头中出现运动模糊现象。
其实现在大家回头去看一些早期的动作片就会发现很多运动镜头看不清的。
但为什么一直以来大家都没有提出异议,这是因为长久以来都是 24帧/秒,大家对这样的电影视听已经养成了一定习惯。
但是到了3D 电影中,24 帧/秒的不足就已经开始无法隐藏。
3D电影最容易为人诟病的就是亮度不足。
因为 3D 电影的制作和播放原理中,要求两只眼睛所接收到的光线都减弱一半,光线一旦减弱,带给观众的第一个负面影响就是 Motion Blur,也就是运动模糊感会更加明显。
在传统的2D电影里,镜头一旦快速运动画面就会模糊,但这类模糊对人眼是勉强可接受的,甚至被很多人当作电影感的一部分。
然而一旦变成3D,任何模糊都非常扎眼。
当画面里物体快速移动时,就会出现模糊,这样从而损失3D的观感。
如果说4K是画面分辨率,那么帧率就是时间分辨率,只有空间和时间的分辨率都提升了,那带来的才是真正的清晰度,帮助观众沉浸于电影,而非单纯观看。
还有就是更大的一个作用,就是减少观看3D的眩晕感,喜欢玩游戏的观众对这个会有同感。
低、高帧率观影《双子杀手》示意图3D是让观众可以选择走到电影里面,有一种认同感、参与感。
可是暗一直是3D的克星,从北美的市场来讲,3D在走很明显的下坡路,因为拍摄媒介本身的过滤,成本在140万美元到4亿美元之间的电影陷入了瓶颈,不得不经由4:2:2(色位深度)格式转制而成,这种模式的亮度远远不够,而现在的好莱坞趋势是用影片来拯救公司存亡,在画面上一味追求大场面并没带来任何长进。
很多制作昂贵的电影,票房成绩都表现平平,因为媒介的限制,很多画面很难真正精彩的起来。
一般电影院影像亮度为2.5FL,在这个标准下眼睛对色彩并不敏感,所以观众对3D的反应不太理想。
“我们一直都在模仿胶片,但数码电影(Digital Cinema)和胶片电影(Film)是不同的。
我想发展新的美学、新的美感,这是属于3D、属于数码电影的艺术。
”李安说。
李安认为高帧率才是真正发挥3D电影与数字电影潜力的方式。
《双子杀手》除了120帧、4K HDR、3D,在放映亮度上也是提到了14FL(普通3D的是3.5—7fl)。
这样的技术规格捕捉的影像,开启的是一个对于创作者、对于观众都完全未知的领域,是一个与以往传统电影截然不同、更无法相比的新媒体。
不只是帧率的升级,工作方式和科技升级更重要除了观念上的创新,下一步就是具体操作问题了。
工具和工作方式的扎实、创新是实现李安导演高帧率梦想的基石。
拍一部高帧速电影可不是像用现在很多最新型号的单反相机那样,在“设置”里把帧速直接调高就行,而是意味着摄影、布光、化妆、表演、剪辑、放映等等所有环节的改变。
当然,这也意味着制作成本成倍增长。
为了拍摄《双子杀手》从演员的表演、拍摄现场的打光、后期制作的工作流程,李安导演及其团队都进行了长时间的摸索。
因为画面信息量几何倍数增加,观众对演员表演的判断也有了变化。
摄影机的曝光时间与拍摄帧速是成反比的,而光照条件又会影响景深的呈现,导演需要进行权衡和取舍;高帧速的素材也要求全新的剪辑软件、调光软件支持,素材量庞大,制作不同格式更是一项浩大的工程。
就像李安说的,清晰本身成了一种美感,能直接从人物的眼神中看到他的灵魂。
这也带来一系列相应的改变,比如对演员演技提出了前所未有的考验,将以往的影视剧化妆方法彻底废除,以及大量运用面部特写等等。
所以特别工具的帮助,就变地非常重要。
本片剪辑师是凭借《卧虎藏龙》、《少年派的奇幻漂流》两次提名奥斯卡的金牌剪辑师Tim Squyers,他使用Avid in 3D和RealD公司自主研发的True Motion技术相结合的方式,以60帧的速率进行剪辑,“我的工作习惯是直接去剪辑3D格式,因为剪辑3D电影和2D电影是全然不同的,无法通过2D思维去想象3D,我一开始就以3D格式剪辑,这次TrueMotion将帧变得如丝般平滑,并有效隐藏了从120 帧变为60 帧时的产生的影响,虽然帧率降低了,但转换后的60 帧电影画面效果,比实质上以60帧拍摄的电影看上去更好,更方便的是TrueMotion支持从120高帧率母版直接输不同帧的画面,尤其对于Cinity放映系统,画面的精致程度是震撼的。
”
其实,RealD公司的TrueMotion技术通常作为后期制作的一项流程,用于制作电影的60帧版本和24帧版本,它可以矫正动作捕捉时出现的不自然的细节。
比如,因摄影机快门速率引起的“抖动”现象会将现实中流畅的动作切割成一帧一帧的画面。
由于一开始拍摄只有高帧率的母版,而通过TrueMotion则能以较低的帧率看到全新的优质画面效果,这种优化效果也是低帧率拍摄不可能达到的RealD TrueMotion使得120帧版本电影的诸多优点还能够在60帧和24帧中得到充分体现。
在制作较低帧率的版本时,TrueMotion能让制作人与摄影师在众多的合成快门中为场景或镜头选择最优的渲染方案,每种快门设置都将呈现出其鲜明各异的独特画面。
北美媒体评论获赞,《双子杀手》值得期待此前,《双在子杀手》在北美率先试映,北美票务网站Fandango、ComingSoon、Syfywire、Engadget多家电影媒体及平台为《双子杀手》呈现的视觉效果点赞。
Fandango 说“一场相当惊人的视觉盛宴,一定要看3D。
”ComingSoon写道:“《双子杀手》是120帧观影体验的一大突破。
动作场面令人瞠目结舌,威尔史密斯呈现一场让人赞叹、高水准的演出。
如果不在电影院观赏的话,就无法获得真正的体验。
Syfywire 网站认为:“一部会让我觉得非3D 不可的电影。
从来没有看过这样的电影,让我有种身历其境的感受。
”Slashfilm网站评价:“《双子杀手》是技术上的奇迹。
本片采用的120帧 高帧数画面,动作场面简直令我快要窒息。
”所以如何观看足本的《双子杀手》?
《比利·林恩的中场战事》上映时,全球只有纽约、洛杉矶、北京、上海、台北各一家影院能放映3D、4K、120帧/秒的版本。
而票价也是根据不同时段、会员非会员从100多至300多不等,比较昂贵,而且一票难求。
RealD公司一直走在3D放映技术前沿,除了为制作上注入TrueMotion技术,RealD为《双子杀手》在终端放映上早就做好了万全准备。
年初,RealD与华夏电影就宣布为其Cinity影院系统注入3D与终极银幕两项技术。
Cinity影院系统综合应用了4K、3D、高帧率(HFR)、高动态范围(HDR)、广色域(WCG)、沉浸式声音(Immersive Sound)等高新技术,是当前电影放映领域的最高技术规格和最佳电影展现形式,不仅如此,除了4K、120帧高帧率3D的能力外,Cinity的影像特色还包含至少达“单眼”14FL的3D亮度,高立体对比度,鬼影最小化的3D影像,更大增益半角的均匀画面,并具有去除激光耀斑功能。
这些影像质量的提升将由RealD提供的终极银幕配套来完成。
这也就意味着《双子杀手》在国内上映时将能让更多影迷享受到120帧+4K+3D的足本观影体验。
有条件看到120帧版的毕竟是少数观众,退而求其次的话,我们还有哪些选择呢?
除了Cinity影院系统,RealD中国区超过1600块3D银幕,及60个以上的LUXE巨幕厅,也都有能力放映60帧高帧率3D,可以带来高亮以及流畅的3D观影体验。
前面说过,RealD此次参与了《双子杀手》后期制作,加上在放映端使用了李安钦点的RealD终极银幕,所以在这些影厅观看,相信的带来的效果也更加优秀。
那看《双子杀手》我们应该选哪些影院?
最终说白了,你只需要关注这几种格式,既:120/4K/3D、120/2K/3D、60/2K/3D、24/2K/3D,然后就不要吵着要2D版本,因为片子拍摄就是为了3D。
那现在支持的高帧率的系统大概是这几种:CINITY:4K/3D/120帧(CINITY由LUXE改造);杜比影院:2K/3D/120帧或4K/3D/60帧;新一代激光IMAX: 4K/3D/60帧;LUXE:2K/3D/60帧(1600块3D银幕,60多LUXE巨幕)三星LED:2K/3D/120帧;那看电影的方法自然是从高格式到低格式的观看,就是:120/4K/3D—120/2K/3D—60/2K/3D——24/2K/3D。
所以,去哪里看成了重点。
下面列了能够播放 4K/3D/120帧和2K/3D/120帧的全国影院,至于 2K/3D/60帧全国院线支持的比较多,这里就不一一列举了。
4K/3D/120帧北京金逸影城(北京朝阳大悦城)博纳国际影城方庄店(10 月 18 日左右改造完成)金逸影城(北京荟聚店)(10 月 18 日左右改造完成)中影国际影城北京昌平永旺点(10 月 18 日左右改造完成)上海上海影城上海百丽宫影城(万象城)红星电影世界汶水路口店金逸影城(虹口龙之梦)(10 月 18 日左右改造完成)广州金逸影城(广州海珠新都荟店)(10 月 18 日左右改造完成)深圳中影国际影城深圳欢乐海岸店(10 月 18 日左右改造完成)深圳万达影城龙华汇海广场店(10 月 18 日左右改造完成)重庆重庆万达影城万州万达广场店(10 月 18 日左右改造完成)金逸影城(重庆南坪星光时代店)(10 月 18 日左右改造完成)成都成都万达影城财富又一城店(10 月 18 日左右改造完成)武汉武汉博纳国际影城金逸影城(武汉销品茂店)(10 月 18 日左右改造完成)中影国际影城武汉天河光谷店(10 月 18 日左右改造完成)郑州郑州奥斯卡熙地港国际影城西安西安奥斯卡熙地港国际影城长春欢乐城国际影城杭州东影时代影城 西溪店海口中影国际影城海口上邦店东莞华夏影城(东莞家汇店)福州金逸影城(福州宝龙店)(10 月 18 日左右改造完成)保定华隶影城华创广场店昆明昆明百美汇恒隆广场店苏州UME 影城(金鸡湖店)(10 月 18 日左右改造完成)2K/3D/120帧(杜比影院)北京北京耀莱成龙影城五棵松店北京耀莱成龙影城慈云寺店北京耀莱成龙影城房山天街店北京万达影城丰台万达广场店北京寰映影城合生汇店北京居然耀莱成龙影城丽泽桥店上海上海闵行颛桥万达广场店红星电影世界上海吴中路旗舰店上海寰映影城大融城店CGV影城上海浦东印象城店上海五角场万达影城华谊兄弟影院上海长风大悦城店CGV影城上海晶耀前滩广州唐德国际影城广州白云汇店深圳万象影城(深圳湾万象城旗舰店)金逸影城(中心城店)万象影城(深圳万象城总店)成都成都万达影城青羊万达广场店成都万达影城双流万达广场店成都万达影城武侯万达广场店成都SM万达影城店重庆重庆万达影城南坪万达广场店包头包头万达影城正翔广场店长春长春万达影城赛德广场店长春万达影城欧亚新生活广场店长沙长沙万达影城华创店大连大连万达影城和平店东莞东莞万达影城南城蜂汇店佛山佛山金沙洲万达广场店福州福州万达影城金融街万达广场店杭州杭州万达影城余杭万达广场店合肥合肥包河万达广场店济南济南万达影城世茂广场店嘉兴嘉兴万达影城经开龙鼎万达广场店昆明昆明万达影城正义坊店南京南京万达影城江宁太阳城店南京万达影城建邺店南京万达影城新街口店南昌南昌万达影城世茂广场店泰禾影城南昌王府井Dolby Cinema店南宁南宁万达影城青秀万达店宁波宁波耀莱成龙影城鄞州店泉州万达影城(泉州城东万达广场店)唐山唐山耀莱成龙影城新华西道店台州台州万达影城星光耀广场店天津天津塘沽万达影城武汉武汉万达影城江汉路悦荟广场店武汉万达影城汉街万达广场店武汉金逸影城王家湾店厦门厦门嘉庚华谊兄弟电影中心厦门SM万达影城厦门寰映影城国金广场店万象影城(厦门万象城杜比影院)西安西安万达影城高新万达广场店扬州扬州万达影城邗江万达广场店银川银川华联影城(悦海新天地店)湛江湛江万达影城华都汇广场店
看完了李安的《双子杀手》,也看完了很多争议和科普,有些话想说,不算影评(没有剧透)。
电影海报首先很多人说抛开技术而言,这部电影是不及格的,但其实这部电影很难抛开技术去谈,因为他就是一次电影技术的尝试。
电影史上最高帧速每秒 120 帧,超级3D,4K,超高亮度,这些能说没有价值吗?
肯定不是,只是我们习惯了李安讲故事的细腻动人,突然看到这么不李安的一部片子,觉得失望。
权游8躺枪我去了解了一下这个叫CINITY的技术,CINITY影院系统是当前电影放映领域的最高综合技术规格和最佳综合电影展现形式,融合了4K、3D、高帧率(HFR)、高亮度、高动态范围(HDR)、广色域(WCG)、沉浸式声音(Immersive Sound)等电影放映领域的最新技术。
说起来老长一段,看这一组数据就大概明白这个技术和普通电影的区别了: CINITY,2D时亮度可达到30-32FL,国内外大多数影厅是10-14FL;CINITY放映3D时19米宽银幕下,单眼亮度为28FL,20-24米银幕宽度下单眼亮度为20FL,国内外普通影厅是3-7FL,CINITY要高出其4-9倍;国内外高端品牌影厅3D亮度是10-14FL,CINITY要高出其2倍以上。
亮度指标是放映效果的基础性指标,亮度不够其他如3D效果、高清晰度、大色域、HDR、高帧率等放映指标和效果就都无从谈起了。
技术确实是好的 就这部电影来说,我觉得李安是主动地放弃了一些东西。
他很多次说,自己这次选了一个比较传统的故事: 「故事上是退了几步,希望大家多担待。
」 但是:「慢慢会发现他有另外一种美感,和胶片时代完全不同的一种美感。
」 他在追求另一种美感。
其实很多年长的人,或者老导演,会非常努力地去维护旧的规则和世界,讲自己擅长的故事。
但李安不是。
好像从《少年派》开始,他就头也不回地往这条路走了。
《比利·林恩》感觉到有变化,《双子杀手》又变化得更大,就技术来说,确实是进步了不少。
他在这条谁都不看好的路上,拖着沉重的成本,艰难地迈了一步,两步。
《卫报》采访的时候,他整个人陷进了椅子里,非常疲惫: 「一切都比你现在想象到的,难多了。
」 这根本不是他的强项。
他自己肯定也知道我们会如何评价,也知道不足在哪,但他就是想这么去做,去冒险一回。
他已经这么成功了,明明可以拍自己最擅长的题材和故事,但还是要做最吃力不讨好的事情。
《双子杀手》北京场放映后,采访里他说, 「现在只有我一个人这么拍,到底是我有问题,还是这个世界有问题?
」 为什么要这么做呢?
他说: 「对我个人来讲,我必须要追求,而且新导演很难有这个资源,那我们现在有这个资源,当然应该去追求。
」 看他在电影上映前后的采访,感觉都有一种忐忑,疲惫在,好像已经看到了不被人接受的结局。
但有人问他,还要继续拍120帧电影吗?
他还是说:「只要还有人肯投资,我就会一直拍下去。
」 《比利·林恩》反响不好,他就接着拍《双子杀手》,《双子杀手》也不够好,他还要继续拍心心念念的《马尼拉之战》—— 如果还有人愿意投资,他会一直拍下去。
微博网友感觉还有点心疼。
好像看到他捏紧拳头,反复地敲一扇不知道会不会开的门。
所以即使不是预期的故事,就算对这部电影失望,我也没办法对李安失望。
因为他是不顾一切在探索电影的边界,「调查兵团」式的前进。
想到詹姆斯·卡梅隆,1922年,第一部3D电影就出现了。
但《阿凡达》之后,3D才慢慢变成主流。
还有现在还算是“半个黑科技”的VR游戏,也没有像ns、ps一样走入大家的视野,是以为他的画面实在太粗糙,游戏性也不高,一般玩几次就不是很想再玩了。
但是很多VR游戏的厂家还是投入很多钱去做,因为大家知道VR一定会变革游戏界的,不是现在也不会太远。
这些都和李安一样,李安的做法也许就现在看来没有意义,但说不准在多久的将来,就会触发一类电影的变革。
可能到很久之后,电影进入了一个全新的时代,120帧已经成为了主流,那时候会有人想起,第一个这样做的人。
李安还是很可爱的
这篇稿子写出来就很晚了,因为不好写,原因有二。
首先,没有读过更多关于科学技术哲学的书籍,对科学技术的认识非常苍白。
另外,面对颇有好感的李安,我的立场也是摇摆的。
但最终还是老生常谈地写出来了,自己也不知道自己写成了什么,仅供留底探讨。
1.2016年9月,阿姆斯特丹,当我坐在一块全世界最先进的银幕前,第一次看完《比利·林恩的中场战事》片段时,我向同事形容它,“连毛细血管都清清楚楚”。
那时,我还未意识到这是一种片面描述,120帧给我的“清晰”只是一种直接观感。
最恰当表述应该是,“在毛孔都能被极清晰呈现的银幕上,当男主角被勒住脖子,120帧让我们注意到人物肤色的反应,我甚至目睹了因为缺氧和窒息导致的毛细血管的凸起和消失过程。
”也就是说,120帧给电影带来的变化表现在镜头所呈现事物的运动上。
24格并非是一个铁律。
电影人在探索的过程中发现,要想保证画面流畅的最低标准,声画恰当同步,同时也最节约胶片成本,24帧是有声电影的最佳选择,也是最低选择。
进入数字和商业大片时代,大场面成了重点需求,动作更细致,帧率跟不上就不行了。
对比普通4K、IMAX影片和《双子杀手》,后者追车和运动物体的镜头,比如子弹轨迹和物体碎片纷飞,运动(声画)更流畅,观众更身临其境,仿佛子弹打穿的碎木屑清清楚楚地飞往我们的眼睛。
帧率越高也越有利于镜头跟随人物视线、动作等轨迹,比如男主角用视线侦察四周环境,镜头可以快速跟焦且保持清晰、不粘连。
为了120帧呈现,《双子杀手》所有人物动作都在人类能力所及范围,追车时的磕磕碰碰和高难度动作皆由人完成,它营造了另一层真实,让传统替身、特技或者瑕疵纰漏变得无所遁形。
请注意威尔·史密斯的表演,动作和表情尤其沉稳,当镜头能清晰展现呼吸时,他甚至要拿捏鼻翼翕张的节奏。
不过,《双子杀手》人物的表情变化并不丰富(过于严肃),仿佛为了技术做了减法,减少了层次。
此外,为了突出人物的真实,打光对它和《比利·林恩》来说变得很重要,通透得像游戏。
比利·林恩的中场战事 (2016)8.32016 / 美国 英国 中国大陆 / 剧情 战争 / 李安 / 乔·阿尔文 加内特·赫德兰当下,有些导演和大片选择48帧和60帧,已足够满足需要。
因此,120帧带来的更细致的变化,观众能体会到多少就很难说了,《双子杀手》上映后,国内观众的质疑五花八门,话题都不在点上。
李安的困境在于他是极度超前的,世界仍不具备普遍放映120帧的工具条件和对120帧的正确认知。
面对《双子杀手》票房失利,不少媒体选择为李安开脱。
有的媒体举例当年彩色影片出现时好莱坞影评人的抵触,仿佛是在证明,一项新技术刚刚问世时,人们对其的态度必然是消极的。
可是技术升级之难并不能说明人类很“懒惰”,有声电影和彩色电影在上个世纪是几年之内就普及的潮流。
从《比利·林恩》到今时,120帧的探索已有三年更久,仍然只有李安一人在引领。
有声和彩色是从无到有的过程,120帧带来的却是“真实”与“更真实”的差别,人们对“更真实”的需求远没有那么迫切。
人类有念旧倾向,当数字替代了胶片,很多人开始缅怀胶片的颗粒感;当彩色电影越来越清晰,反而有更多精致的黑白作品出来;卡梅隆的3D当年多么震动,被当作一项革新的技术,如今也成为众多制式中的一种。
当银幕越来越真实,虚构的空间和现实越来越接近,这种真实反而会干扰到观众的沉浸感。
因此,相对于有声、彩色和3d给人的新鲜刺激,李安真正面对的现实困难并不是人们的不愿升级技术的慵懒,而是目前世界尚且没到“更真实”的阶段。
2.现实技术升级之难不会是李安面对的最大困难。
李安坚持技术的动机是可疑的。
在接受台湾媒体采访时,李安这样描述他对120帧的坚持,“我觉得我们慢慢可以体验电影,当然不是说你座椅摇啊,或者放一下气味、喷个泉,不是那种体验。
而是在我们吸收讯息在脑筋里面整顿之后,怎么样在身体里有一个化学反应,我觉得这有一些本能上的不一样。
所以我用体验来讲,我也没有更好的形容词。
”这句话凸显了李安对120帧认识的不确定性,他对科学的认识停留在似是而非之中。
作为先行者,他没有为这项技术提供更有说服力和成熟的哲学和理论解释。
当摄影机更高清地捕捉现实,投射到银幕,银幕展示更高清影像,再进入人的眼睛带来观感,这种真实对人来说意味着什么?
人们又如何在哲学层面解释“120帧真实”和“现实”的关系?
更何况,李安在现实中不断强调技术,变成了“技术控”,和他在影片中对科技的立场产生了矛盾。
过去的科幻电影偏爱向观众提供一种景观化的未来图像,例如《降临》,承担政治表达,影射人类当下的处境,所以普遍带有重科学哲学的构建、重批判和反思的态度,始终隐含着人类对黑科技的恐惧。
《机械姬》主角如此说道,“将来有一天,人工智慧会回顾我们,就像我们回顾非洲平原的化石一样,一个直立猿人,住在尘埃里,使用粗糙的语言和工具,最后全都灭绝。
”《2001太空漫游》的反派是个机器人。
机械姬 (2014)7.62014 / 英国 美国 / 科幻 悬疑 惊悚 / 亚历克斯·加兰 / 艾丽西亚·维坎德 多姆纳尔·格里森为了保持自己的作者性,富有人文立场的李安没忘记在《双子杀手》中加入自己擅长的思考,父子关系、人的困境和所谓俄狄浦斯情结,探讨科技带来的伦理困境:关于衰老和自我;关于身份,当自己的克隆体站在你面前,他是你的孩子还是你的兄弟;探讨人类的原罪,克隆战士算不算无辜生命。
“你有了人性,你就不是完美的战士了。
”李安在影片中接过以往科幻电影的衣钵,他对克隆的反思便成了对几十年前《银翼杀手》的老生常谈,那部粘滑、沉闷、冗长又先锋的电影早已成为不朽,且画质糊得可怜。
银翼杀手 (1982)8.61982 / 美国 / 科幻 惊悚 / 雷德利·斯科特 / 哈里森·福特 鲁格·豪尔《双子杀手》对克隆的理想化展现,包括其推动故事的起承转合,无法排除剧本创作者持有“基因决定论”嫌疑,藏着残酷的社会达尔文主义倾向。
如果这个克隆人复制了你的基因,将继承你的一切,战力、头脑,甚至过敏、下棋这样的兴趣爱好。
如果你人性弱点来自于童年没有好父亲陪伴,那么给克隆人一份父爱弥补,他的身心可能比你更强大。
剧本的科学观与在现实中不断向世人安利新技术的李安,形成一种对照、一对矛盾。
人们会问,他所坚持的120帧,焉知不是电影里他所反对的克隆,会杀死电影,甚至彰显游戏作为新艺术形式比电影更善于使人沉浸?
那么,120帧还会是技术带给电影(过去经验里的电影形态)的一次进阶吗?
世界观(原书第2版)9.0[美]理查德·德威特 / 2018 / 机械工业出版社3.按照辉格史观,社会必然是会发展的。
技术官僚主义者们坚持,科学技术必然会给社会带来进步。
此时的李安,像是一位技术官僚。
可是120帧必然会是电影进步的方向么?
要知道,科学是现代人类认知世界的主要方法。
但是科学的推论并不总是确定的。
在几百天的时间里,农夫每天早上都给鸡带来食物,于是鸡归纳、推断,农夫每天早上的“访问”都会带来食物。
直到有一天,鸡很开心地盼着食物,但这次农夫家突然来了客人,把鸡杀死了。
科学是建立在一次次实验基础上的归纳。
科学的推论和鸡的推论谁更值得信赖?
过去技术给电影带来革新,未来还会?
尼采质疑科学宣扬自己能解释世界的能力,例如科学可以知道火的燃烧是可燃物与氧气的放热反应,但不知道二者为什么会反应,亦不能解释火为什么会以这样的形态存在。
科学试图描述火的过程,而艺术恰是为了描述科学之不能描述的“火的形态”。
人们往往觉得电影是跟技术最密切的艺术门类,伟大的电影把艺术和科学这对“敌人”粘合在一起。
实际上,科学向任何艺术门类都提供了工具,绘画的画笔是一项科学发明,雕塑的大理石材质与科学有关,文学伴随着印刷而繁盛,建筑更是力学的彰显,多媒体对现代戏剧帮助甚深。
没有哪个艺术门类离得开科学。
M.C.埃舍尔甚至把数学和几何做进了版画,他形容自己的作品:“I consider my work the most beautiful and also the ugliest。
”
M.C.艾舍尔博物馆的文物显示,两千年前的人类和当代的人类在智识上并无不同,那时的人也会抱怨生活多么枯燥,自己多丧。
人们常说技术革命,技术本身带来的更多的是革新和改革,而真正的革命仍然要以思想的颠覆为标志。
对电影来讲,蒙太奇的发明应高于有声和彩色技术对电影的意义。
意大利新现实主义、各个国家的新浪潮所带来的新鲜的艺术理念,比技术革新更能保证电影长盛不衰。
《双子杀手》和《比利·林恩的中场战事》都是适合呈现120帧技术的剧本,如果您注意我第一章的描述会注意到,李安仍是在依照传统的创作理念拍摄,把既有的适合的技巧借高帧率再次展现。
如果将来,李安和他的后来者可以为高帧率构建新的理论和艺术技巧,或者试图拍摄未来科技时代高速飞转的人性故事时,120帧未必不会像24帧那样成为电影技术的标准和“底线”。
但目前,我们尚难定论。
在电影最后,老年威尔·史密斯不断告知一些人生经验,而年轻的威尔·史密斯则笑言,有些弯路他想亲自体验。
我想,对于已积累下很多经验,但仍然像个孩子一样探索新事物的李安,二人的身上都有他的影子,也道出他内心的摇摆。
他不仅要说服世人,更要自己说服自己内心。
FIN
我给满分。
中国是不是只有30多个符合最佳放映条件的影厅?
北京好像有四块,我去了其中一个,影厅的工作人员告诉我他们新上的设备,花了1000多万。
三年前的《比特.林恩的中场战事》我在朝阳大悦城(应该是博纳) 看的,都是尽量找最佳的硬件条件。
我觉得在评分或者表达之前,是否先说明一下你看的影厅硬件参数是什么?
3年前,很明确的感觉到视觉还需要适应,尤其是镜头移动或者剪切的时候,眼睛也同样需要调整。
仅仅三年的时间,李安就已经跨越了这个,正常欣赏起来,观众的视觉、感觉、听觉体验极其流畅,不需要任何调整。
而且解决了imax 3d屏幕亮度不够,细节不清晰等问题。
李安吃亏在他已经顺利的解决了很多技术问题,非常成熟的使用120帧的技术。
而且他是以不动声色、不向观众炫技的方式实现的,不会拼命的用刺激的方式提醒你,注意到了没有,我这是用了高级的技术,李安不会让你坐上过山车,不会给你搞个激流勇进,通过对观众感官的强烈刺激来让你承认他的技术。
他都以润物细无声的方式,完成了这个片子。
非常舒服、沉浸式的体验。
三年,李安走的更远了。
就算是故事,也极其流畅啊!
挑不出毛病啊!
大家到底要啥啊?!
非要把大导演挑下马才过瘾吗?
近来愈来愈感到“文艺品鉴能力”在现实中的丧失。
之于普通大众,这当然属于不切实际的奢求,可现在连相当多的、受过一定教育的人看文艺作品时也只能“攻其一点,不及其余”了,就很容易令人感到一种整体晦暗的气氛。
李安的《双子杀手》上映后就发生了这个问题。
美国的影评界不去说它,他们中的有些人的胃口不敢恭维,吃汉堡包坏掉了肠胃——不过好在他们真诚。
我们中国的影评界——如果有的话——则更不知该怎么说。
很多好的电影在中国上映后,全网很难找到什么真正结实的好影评,充斥的不过是营销号文章。
感叹、惊呼和跟风——那些本该属于宣传稿和观后感的范畴,是在家里饭桌上与亲人聊天的内容,不该被冠以影评的名义。
那样的文字既不高级,看问题也不深刻,阅片无数,却仍对电影一知半解,可见不过是狼吞虎咽,从未细细品出些什么。
这些东西都不该冒充知识和见解去冠领审美,误导读者。
所以这次,当很多人集体对李安表示失望,又有人“以己昏昏、使人昭昭”、不知所云地揣测和只谈120帧技术,在我的感觉中,这不过都是些“买椟还珠”遗憾。
可能在我们如今的文化氛围中,在“人的自我尚未觉醒”和“感到自我是一种必要”的当下,他们不能领会李安这部电影的妙处。
想一想,这也属正常,然而我却仍然感到一丝的失望与不快。
不禁因此想起早前在三岛由纪夫的《文章读本》中读过的一段话:“在这样的时代,品味文章的习惯会逐渐淡薄也是趋势吧!
往昔人们说‘小说欣赏’的时候,主要的意思乃是欣赏‘文章’;现今读小说,就仿佛开车到郊外去踏青一样,要紧的是目的地,而沿路的风景、路边的花草或事小河边钓鱼的小孩等等,往往无心理会,即使看见了也只是在眼前一闪即逝。
”金圣叹在《读第五才子书法》中也说:“吾最恨人家子弟,凡遇读书,都不理会文字,只记得若干事迹,便算读过一部书了。
虽《国策》、《史记》都作事迹搬过去,何况《水浒传》。
”评论是评论家和作者智性互鉴的过程。
塔可夫斯基把电影拍摄定义为“雕刻时光”。
如果我们欣赏一部作品,都仅满足于眼前所见,追求的惟有当下的刺激,而不花点时间深度介入一下思考,那么导演艺术家的雕刻笔触,我们又如何可以看出呢?
一个严肃的创作者也真可怜!
“洞房昨夜停红烛,待晓堂前拜舅姑。
妆罢低声问夫婿,画眉深浅入时无。
”可谁又晓得舅姑的品味如何?
一以李安的《双子杀手》这部电影来讲,故事并不复杂,然而这也正是它的难度。
正如罗杰·伊伯特所言:“一部电影的核心不是讲了什么,而是讲得怎么样。
”电影117分钟,场景众多,三次大的打斗以外,我们被带进的是亨利的生活。
路边埋伏、码头租船、海里约见、餐厅约会、夜晚被袭、岛上流落、哥伦比亚巷战、泳池会面、出租交谈、布达佩斯墓室、父子对话、新老结盟、便利店大战、高校校园……李安用极快、极节制的节奏和极具通透感的、开阔的视觉表达(赖于120帧、4K、3D的表现力)进行着处理。
诸多场景扣人心悬,又极富美感。
我们看到许许多多的细节,一张张扑面而来的人脸。
微观静止的地方,李安用特写,使人可以看到马里诺眼球里的血丝;亨利扣动扳机前手臂上的汗毛;第一个场景亨利舔了下手指,我看到它湿润的指纹按在扳机上——为了增加手感;丹妮有着不事雕琢的动人的面庞;亨利和Junior(中文翻译为小克)眼眶里那逐渐溢满的泪水……宏阔快速的地方,李安用全景、大景深、跟拍,使人远距离可以看到飞速列车上清晰的靠窗人像;亨利夜晚遇袭时,同样清晰的他和屋外的两个黑衣人;高速行驶的摩托车上亨利惊恐与紧张的表情,也让人有一种VR感、紧迫感和贴身感……在这个速食的时代,李安是通过120帧重新发现了人脸,重新定义了细节。
这也正如李安认为120帧本身就是一种美学,它是有自我规则和公式的。
这也不是粗糙地被评价一句“技术提升有何意义”就可以蒙混过关的,它在期待一颗敏感的心。
我认为,在重塑审美门槛、拓展艺术视阈的层面,李安的价值可以和绘画史上的第一个使用透视法的、被誉为意大利文艺复兴绘画奠基人、“现实主义开荒者”的马萨乔(Masaccio)相提并论。
也如同乔布斯用iPhone4重新定义了智能手机。
如果把李安坚持3D、4K、120帧拍摄的这个事件仅仅定义为“科技事件”,则明显是不用心的懒惰,更是对新科技之于艺术的可能性作用的忽视。
李安在科技的帮助下,进入的是哲学空间、美学领域,他让我们在原本黑暗的地方(1秒24帧造成的空隙)和失焦的部分重新发现了明亮和凝视。
电影技术发展到李安手里,没有什么之前的电影时刻如此让人着迷——如果你是个不局限于传统观影的人。
这也当然不是炫技,它的突破虽然比不上电影被创造出来——那个从无到有——的历史时刻,也比不上电影从无声片到有声片的突破和席卷,但它必然是一个重大的电影史里程碑事件。
他宣告了数码时代要用数码时代的方法拍电影,而不是模仿胶片。
65岁的李安,在大多数人都搞不清楚他为什么在这样做的时候,宁愿承担着这种不被理解的孤单。
他本可以求安全,不是吗?
然而他并没有。
他靠他的坚持,从《比利·林恩的中场战事》到《双子杀手》,走着他“审美启蒙”和“技术引领”的第一步。
这两部电影是他的苦口婆心,也是一个善良的、执着的、有艺术良知的他在告诉别人。
当他这样的人掌握了一定的话语权后,他会为电影艺术带来些什么。
又有人说,这部电影的剧本不好。
这和我的认知也完全两样。
《双子杀手》作为一个在1997年就已经基本成型的剧本,若许长的时间,对于欧美编剧来讲,要在开拍前重修出一个高潮迭起,不停反转的故事,绝非什么难事。
何况从我看到的报道来讲,据说李安在拿到本子后,又修改了大半年。
不要把“剧本陈旧”、“故事老套”再拿出来说,如今这也几乎已经成了一种批评《双子杀手》的新的滥调。
陈旧的剧本未必不好,老套的故事不见得拍不出深刻。
正如“太阳底下无新事”,而又“太阳每天都是新的”。
故事的讲法、角度、深度,都是比故事本身更重要的东西,只有这些才会透露出一个艺术家的世界观。
李安到底修改了些什么呢?
我想这才是问题所在。
以李安之前的电影叙事美学做一个起点和基准,我的理解是,李安追求的是“在类型片的框架里如何坚持保持思考的深度”。
他想要梳理出一个人(亨利)的完整心理逻辑,把他从“杀手”这个固定脸谱中释放出来。
所以他要的根本不是大家惯常看到的那种无脑爽片。
他想要的大概是:怎样在不丧失观影乐趣的前提下,真实地拍出一个51岁的、曾杀过72个人的杀手,他是如何在中年和老年的临界点上回首,认知自己,又如何陷入怅惘和最终与自己的内心和平共处的。
他做得很成功。
他要探讨的是“自我与怀疑”。
他要追求的,根本是一部“存在主义的诗篇”。
这一点,从电影的结尾李安并没有让亨利或者克隆人死去,或也可以洞悉一二。
如果结尾亨利死,观众就会掉入一个巨大的人性空洞,产生对这个世界未来的担忧和发出对末世的不绝哀鸣,而且他也跑了题,好像是一个人在寻找自己的过程中证明自己的寻找是错的;如果Junior死,虽看似皆大欢喜,因为似乎科学带来的危机已经过去,我们也重回了古老的理想年代,但那也不过是一种李安不想要的非现实的自欺欺人。
李安是最终选择了人与克隆人共同生存下去。
在一种较为可能的状况下,在人性的感染生效后……他要让亨利这个人借着这一点微光,能度过未来的、不可期的、长久余生——这也是李安性格的温暖深处。
如果有一线可能,李安总是就很难对他的人物痛下杀手,赶尽杀绝。
只要他还有腾挪处,他就会给一点希望。
在他温厚的情怀里,《卧虎藏龙》里的玉娇龙、《断背山》里的杰克、《色,戒》里的王佳芝因此都只能被认为是他的种种例外。
李安65岁了,这里的亨利也像是他的自我宽慰,有他的自照。
比如他曾在一次采访中说,“如果说《卧虎藏龙》的李慕白,是我步入中年的一个检讨,那这次就是我步入老年,对人生的新检讨……有的时候我们都越来越像克隆人。
人到中年,甚至有时候比克隆人更像克隆人,日子过惯了,已经找不到真实的日子是什么样子的。
就像亨利要面对的那种年龄困境——中年人不能退休,退休就要被杀……我想看一看时间究竟在人身上做了什么手脚”。
记得海德格尔在《存在与时间》中说:“我们向来已生活在一种存在之领悟中,而同时,存在的意义却隐藏在晦暗中,这就证明了重提存在的意义问题是完全必要的。
”从这个角度也可以理解,为什么李安选择使用CG技术再造威尔·史密斯年轻版,而不是找一个长相类似的人扮演。
存在的本身是一个哲学问题,他有无穷的可被探讨的可能以及学术感。
只有当人以自我为镜像的时候,才会发生这样的效应。
如果稍加多一分留意,我们也会发现,李安在电影中是如何巧妙地利用细节处理“人”和“自我镜像”的相遇。
这让我们可以看到编剧和导演的巧思。
电影中,在亨利与Junior面对面、无遮挡(没有太阳镜)相遇之前,亨利是有两次见到(感受或正面认识)Junior。
如果加上终于最后裸脸相见的那次,一共有三次。
这三次分别发生在庭院、巷子以及地下古墓。
第一次,是哥伦比亚的一个开阔庭院。
亨利躺在床上合眼而卧,右手持枪放在胸前。
可是忽然——几乎完全不合理的——他一睁眼,往墙角一看,马上就看到有个黑衣人翻墙而入。
怎么会那么巧?
刚好在翻墙前就恰好睁眼,而不是在翻墙后才看到(对比之前的夜袭,是两个黑衣人已经在窗外行动他才有所反应)。
这当然是导演在告诉我们,进来的那个人和他有着非比寻常的关系,所以他才有着这样的“心灵感应”。
那所庭院或正象征着亨利被“闯入的内心”。
随后,亨利跑了出去,设计巧妙的,李安让他在三个不同的地方观察到了那个要射杀他的对手:巷道地上的一片水洼、枪支的瞄准镜、一个破败庭院楼梯拐角的大镜子。
这三处构成了第二次相见的组合。
它们富有美妙的寓意。
亨利看到自己的镜像,都恰好是在镜像中。
这似梦似幻,令人感到害怕。
如“鬼魂”,正如Junior说的那样,他感到有人“在身体之外看着自己”。
也如亨利所言,“看到他就像看到鬼魂,所有死在我扳机下的鬼魂”。
亨利和Junior的内心此时发生了严重的摇摆和地震。
不仅仅是自我怀疑,还有可能的自我觉醒。
亨利就像在梦里(他说Junior常做噩梦,也是在说自己),此时他之前杀掉的那72个人(也是他自己——Junior)正在追杀着自己。
在这个镜头里,李安让Junior戴着一副墨镜,我想他的用意应该是,他还是不想让亨利清晰地看到另一个自己。
而那双不能被亨利看到的眼睛,此时正躲藏在被这黑色的反光物遮蔽之后,恰好营造出了自我的不可洞察和难以沟通的人性。
那也是之前当了很多年国家武器的、曾年轻的亨利自己——冷血、残酷、蛮横、不动声色、不能交流。
那长长的、奔命的哥伦比亚卡塔赫纳的巷道,或也正象征了亨利前往内心的艰难,是一种“九曲回肠”。
所以,也是等到了夜晚匈牙利布达佩斯人骨累累的地下古墓石英室,在枪支上的灯光照射下,亨利才真正的、第一次的看清了他面前的这个人。
他的另一个自己。
这都是导演高妙的笔法,“文似看山不喜平”,一路铺垫,直到此处,才许二者相见。
亨利呆住了!
我们可以看到他稍微抬起了一下头,呆住一会儿又低下,继续瞄准。
李安的大特写让我们感觉到他内心很乱。
正如我刚才将哥伦比亚的庭院当成亨利的内心,此时的人骨古墓则是亨利另一个更深层的、隐秘的内心。
试想一下:当“庭院”是白日内心,危机重重。
随时待命,不能安睡,有人暗杀;骑摩托车奔命的“巷子”是通往两人相逢深处(隐秘内心)的路,杀机沉重,势不两立;“地下古墓”,不正是他的心?
它们在一个宗教感十足的修道院的地下。
白骨累累寓意了亨利手中欠下的血债,而水潭清澈却深不见底,那也正是他隐秘的良知。
而且,在亨利和Junior相见之前,李安让我们看到了古墓地下的地理结构。
丹妮和Junior七弯八绕、左拐右拐、向下直行——当然那很像走向一个人的心脏,走进左心房右心室。
而后来当年轻的自己(Junior)在心中设下重重陷阱,却被年老的自己轻松破拆。
当然也因为那是自己的心,所以才会那么熟悉(女搭档的帮助也是他自我的外化)。
等到了古墓的打斗中,亨利用了匕首,或可以解释为是一种要对自我的剖析,而小克用了人骨,或可解释为他在内心里代替那72个魂魄向自己索命。
而此时年轻的自己则代表了某种正义性。
最后两人都落入水潭。
水潭虽清澈,但深不可测。
正是之前说到的,那是亨利纯洁但复杂的内心外化。
而年老者在其中差点被溺死(负罪感),年轻者占了上锋,女搭档开枪,那是不得已的自我救赎,或可认为是一种冥冥中的力量,不让人因为反思而死去……再想一想Junior这个名字。
Junior根本是个象征。
“Junior”在英文中,当它是形容词的时候,就意味着是青少年的,较低下的。
而当它做名词时,就是年轻一代,是青少年。
所以他代表的不仅仅是他自己,还隐喻了一代人。
所以,李安在电影中不仅仅要描绘自我困境,还想表达年轻人带来的压迫,新时代带来的压迫(120帧对传统电影不也约略相似?
)。
再想想巷战时的那两辆同款却颜色不同的摩托车。
一个红色,一个绿色,它们在赭粉色的房屋边快速行进,构成了美好的图画。
那是两粒火光,红色的焦灼,绿色的生机,旁边则是蓝灰色的大海。
亨利和Junior是双胞胎,也是新与旧,是更替,是唤醒。
两人齐头并进,不知鹿死谁手。
Junior后来的摩托车抢自警察,也别有一番意味。
亨利当然是私下被雇佣的、法律之外的杀手。
那车却也是一种法律或惩罚的外化。
他差点被撞死。
这一路,也正是:我看到我的弱点,我躲避我,我追杀我,我拯救我,我针对我,我被我蒙在鼓里,我恨我……亨利此处的躲避和犹豫是动人的,这是属于一种对自我的反思,是属于对72个鬼魂索命的躲闪,他不要杀Junior,这也是51岁的他内心的良知此刻战胜了好强的心。
可是,也是在此时,他在“自我的镜像里”迷失了。
他感觉无所适从。
这是哲学的终极三问:“我们从哪里来?
我们是谁?
我们到哪里去?
”;雅典德尔菲神庙的神谕:“认识你自己”;苏格拉底的“未经审视的人生不值得过”;柏拉图的“分有”与“摹有”,“可知世界”与“可感世界”;海德格尔的“存在”与“存在者”;萨特的“存在”与“虚无”;尼采的“人与深渊的相互凝视”;老子《道德经》的:“吾所以有大患者,为吾有身,及吾无身,吾有何患? ”;庄子《齐物论》的:“不知周之梦为胡蝶与,胡蝶之梦为周与?
”;佛家《金刚般若波罗蜜经》:“我相即是非相、人相、众生相、寿者相,即是非相。
”;精神分析学家弗洛伊德的“本我”、“自我”与“超我”……李安正是用他外化的、精彩的心理探索和打斗,延续了这些哲学思考。
尤其是在那个激烈进行的巷战中,紧锣密鼓的音乐从未停歇,且越来越急。
鼓槌欲折、弓子欲断、气力欲竭……然而永无止休,永不疲倦,永远激动人心。
那都是人内心的厮杀。
我想不出比这更精彩的内心自我厮杀而又外化得如此完美的其他电影桥段。
二说一说父子关系。
也有人注意到了父子关系是李安电影中常处理的话题。
但这部电影中的父子关系其实也较李安之前电影丰富和多面。
我想了想,关于父权和个人的冲突,大概有三层。
第一层:国家与作为武器的个人(亨利、Junior、无痛苦的克隆人)的关系。
第二层:亨利(过去的自己或教父)与Junior(新的、年轻的自己或养子)的关系。
第三层:养父(克雷)与养子(Junior)的关系。
在这三层,李安用了不同的笔墨。
在第一层,我们可以看到,当亨利在质疑那个高悬在上的机关“你到底欺骗了我多少次”时,显得非常无力。
他仅仅就因为一个“怀疑”,就开始被追杀。
他此前对这个国家机器的付出(替他杀了72个人)瞬间变得毫不重要。
这是一种用过即弃的原则在作祟,是那个顶层机关的价值观。
所以,当克雷在背后谈到亨利时,说的是“亨利和其他军人一样,在还是菜鸟的时候,你说什么他们都信,等他们年龄大了,沧桑了,良心就露出来了。
这就是为什么我们需要新的兵种”。
这种话令人寒毛直竖。
克雷还代表那个顶层消解了大众(他们眼中的愚民)所认为的崇高。
他对珍妮特说:“你给亨利安排国葬,国旗盖棺,21响鸣枪致敬,你来段致辞,大家哭一哭,人们记得他是英雄。
生活照常过。
”要知道,当一个国家不把人当成一个“人”的时候,即使它满嘴的正义、温暖和大爱,那不过都是为了它长期维持统治所用的愚民政策和花言巧语。
因为只有没有人性的人,才会不尊重人性。
还有,当片尾克雷说要用大量的克隆人去代替成千上万家庭里的孩子,这句话听着也真是“动听”,可是它的基础在于他不把那些克隆出的人当成人类的一员,他完全忽视这些人其实也有精神的痛苦(痛苦不仅仅来自皮肉)——如Junior。
从这层父权关系的揭发和崩溃,我们可以看到李安作品里对人性关照的光辉,和对蛮横强权的反感。
收束这段关系的是最后大战,当反派站在屋顶,Junior与他同在,可发生争执,那就是自以为主宰的父权傲慢的居高临下,但严重受挫的一个场面。
剧情发展到此时,后面的克雷死或不死,其实都已经不再重要。
毕竟他虚伪的面具已经被打落在地。
第二层,关于亨利和Junior。
其实我们很容易地看到,他们两个的关系非常复杂,不是自己,又是自己,不是父子,又像父子。
他们是揽镜自照,也是二律背反。
前者(亨利)带给Junior的是觉醒,后者(Junior)带给亨利的是反思。
如果用弗洛伊德的“自我”、“本我”、“超我”的概念来理解。
则亨利的眼中,Junior是他的“本我”,而他是“自我”。
从Junior的眼中看来,则自己是“自我”,而亨利是“超我”。
“你看过我的样子吗?
”“看过照片,没想到那么老。
”“我不会对你开枪”,“但我不会手软”。
“全世界谁都可以来杀我,为什么正好是你”,“因为我是最好的”。
亨利与Junior的差异通过类似的对话昭然若揭。
但我们需要注意的是,这不是性格差异,而仅仅是一个人人生阶段的不同。
这样的对话令人心惊!
它也令我们知道:一个自以为是的年轻人(过去的自己)可以蛮横成什么样子。
一个历尽岁月的杀手(现在的自己)又可以因为良知的苏醒退缩成什么样子。
在任何时代,如Junior这样的年轻人都不少(如我们动荡的十年中的那些小小少年。
他们不惟师,不惟父,只惟上)。
可在任何时代,像亨利这样的年纪大的人却都不多。
他可能需要拥有知识、涵养、善良、良知,还要懂得珍惜生命,知道人生艰难……所以通常是,前者只用一双素手,就可以令后者的尊严无存,跪地就范。
因为后者有怕,有不忍——这反而成了他的缺点。
亨利又代表了一个人身上所具备的那种反思的力量。
反思的力量也如青春冲动力量之父。
反省、思考、自由、怀疑……他们都是更沉着的、坚毅的、父亲般的力。
一个人,可能唯有在反省和怀疑时,才能真正拥有自己。
如胡适先生曾提出的那样。
“治学,要在不疑处有疑”,其实,这不仅仅是治学的精神,而更应是面对一切外在威权时的精神。
非怀疑,无自由。
李安也正是在电影中通过深度处理亨利和Junior的这层关系,用高超的视觉外化这种关系的不可言说和反复纠缠,从而得到了他的自由。
可以说,他用这种关系不仅仅代指了这两个人,还直指了时代,直指了一切的新与旧,创新和传统。
这就是它更深、更广阔的意义。
片终大战,那个被打得百孔千疮的便利店,或者照样隐喻亨利原来坚强的、不可摧的内心,如今已经被全然摧毁。
在那个烈火中烧死了一个自己(不会痛苦的克隆人)。
剩下的两个自己(亨利和Junior)则是同一个,一个代表经验者,一个代表新生者。
前者也像教父一样,启蒙了后者。
这两者在一起,在电影的最后,以父亲说,我们比赛谁先跑到街角来结束,或者也代表了“理智”与“情感”在一个人内心永远的角力。
这层类父权关系的“背叛”和“统一”是最精彩的,也是全片的核心。
第三层,是养父(克雷)和养子(Junior)的关系——这也是一个假上帝和假亚当的故事。
克雷扮演了一个重塑世界的人,说他是“假上帝”,不如说他是“真狂人”。
他靠着取一根真亚当的肋骨(亨利的血液),而希望制造他心中完美的夏娃,或者假的亚当(Junior)。
这层关系与第一层关系一样,它们都没有像第二层关系那样被完全展开。
我们看到了克雷和Junior的家庭对话,看到他要Junior战胜自我恐惧,看到他对Junior的拥抱,但我们其实并不确认那是否是真爱。
一个反派,在一个小孩子出生的时候,想着把他当成一个机器来养着,“养虎千日,用虎一时”,但他长到了23岁,23年的岁月,没有让这个反派的内心有一点变化吗?
他还是那么舍得他去用生命来战斗吗?
养一只狗或者一只猫,养二十几年,恐怕也会把它真的当成自己不可或缺的一份子。
养一个人23年,就不会吗?
在这段关系里,尽管我知道李安的表达,尽管李安也尽量体现了克雷感情上的暧昧性,但我仍觉得有所不足。
这是剧本的一点小缺憾——克雷的单面和脸谱化。
不过,Junior此处的复杂心情倒是被完全呈现的,他那个在知道真相后,仍伏在养父肩头的哭泣的表情和泪水,含义多样,使人怜惜。
包括最后他在便利店里想要打死克雷时的那一秒停顿,那一刻的心潮澎湃,仿佛隔着屏幕都能撞到我们的心里。
这一段的对话非常精彩,可以说完全表现了克雷所代表的那些“假上帝”的虚伪。
Junior:“世界上有那么多人,为什么让我去杀他?
”克雷:“他是你内心的阴影,你必须自己走出来。
”Junior:“或许你才是我的阴影。
你对我撒了谎。
说我父母,在消防局将我抛弃。
我相信了,你知道我是什么感受吗?
”克雷:“这是必要的谎言。
”Junior:“这里没有一件事是必要的。
是你决定要对我这么做。
难道你看不出来我有多不对劲吗?
”克雷:“屁话,Junior,不要忘记你在和谁说话,我当过兵,看过士兵崩溃,因为他们扛不起能力之上的责任。
而你不会。
你的世界安稳而又可靠,这都是我给你的。
你拥有亨利一辈子都没有的。
你有一位关爱你,尽职尽责陪伴你的父亲,我每天都让你知道,你有多么珍贵,多么重要。
最关键的是,让你保有亨利全部的天赋,却去掉痛苦,我做到了。
不要怀疑,Junior,你没那么差劲。
我爱你,儿子,只是不要对不起自己。
”三还要说一下这部电影的若干场景,它们所用的意向、台词的力度,都让我在某一刻想到了戏剧,想到了莎士比亚。
我不确定是不是因为它有提到“鬼魂”,所以我才想到莎士比亚。
但我的确是在听到“像有人在身外看着我”,“鬼魂在追我”这样的话时,下意识地就反应到了“哈姆雷特”。
莎士比亚《哈姆雷特》的开场,那已经死掉的父王变为鬼魂出现,告诉他要复仇——这是最耳熟能详的场景。
可是在我的理解里,与其说那是父王的鬼魂,不如说那是哈姆雷特内心的怀疑——对他的叔父和母后在自己的父亲死后,快速结婚的原因的怀疑。
他疑心先有私情,然后他们才合谋杀死了自己的父王。
这样的心理阴影一直萦绕和暗示他,所以就变为他假想的父王鬼魂对他的缠绕不休。
多类似!
亨利要退休的原因正是“我现在完全没有手感”,“72条人命啊”,甚至我们可以据此进一步推断,这整部电影都是亨利的潜意识,就仿佛没有多莫夫冤死,没有鬼魂,没有Junior,没有克雷,一切都没有。
整部电影都是这个杀手的梦。
是的,当一个艺术家怀疑自身的时候,他就走近了莎士比亚。
当一个作品中的人物怀疑自己的时候,它也就走近了哈姆雷特。
前不久去世的评论家哈罗德·布鲁姆在《莎士比亚和知道的艺术》中说:“莎士比亚的作品中,身份的凝固剂不是心灵,也不是灵魂,而是神魔、灵魂、意志的闪光,尼采和叶芝称其为‘对立自我’,与‘主要自我’相对。
”雨果则在《莎士比亚传》中说“但丁的作品中也有人,莎士比亚的作品则不乏鬼魂,私人的头骨从但丁手上转到莎士比亚手上,乌戈林啃咬它,哈姆雷特向他提问,也许后者得到更深刻的教益,莎士比亚摇晃它,并且抖落许多星星来。
”《双子杀手》何尝不能理解为是李安通过摇晃鬼魂而抖落的许多星星呢?
《双子杀手》中至少还有两场戏,充满了莎剧般的张力,对白和表演都极其精彩。
一场是泳池边的对话,高深莫测的尤里·科瓦兹通过一番“世事洞明”的发言,把亨利带进了一种彻底的茫然。
在那一刻,我们是通过对话发现了亨利作为个人的渺小。
而最后当尤里说出亨利某晚的逃脱非常精彩时,亨利困惑地问他,“等一下,你是怎么知道的”,此时的尤里已经站起来,他居高临下地、随意地一摊手“我是你的铁粉,我当然知道”,随后轻松敬了一个礼就走了。
他的身影离开处,仿佛留下了一个巨大的空白,而那个空白等着亨利用恐惧填满。
是的,亨利生活在一个类似“楚门的世界”中,他所有的过去,别人都对他了如指掌,而他只是一个“导弹”。
在这个场景里,李安用的全部都是特写,尤里和亨利对话时,他的整张脸占满屏幕。
通过120帧的呈现,我们可以看到他的全部微表情,他雪白庞大的脸,他一挑眉,一微笑,一逼近,都近在咫尺间。
这样的压迫感也使我们获得了亨利坐在池边同样的观感——那种近距离的不可测和压力。
另一场当然是地下古墓石英室里亨利对Junior说的话,那是电影中最深刻、最动人的一段。
它虽然是对话,却因为是对着年轻版的自己说,所以达到了“话剧独白”的效果。
这段“独白”的逻辑、顺序、层次、深入度,放进任何莎士比亚的剧本也毫不逊色。
为了完整体现这一段的戏剧张力和精彩度,我去影院看了两遍,大致的内容简录如下:“先说清楚,我其实不想杀你。
但如果有必要,我会动手的。
……训练怎么开始的?
让你打鸟?
打兔子?
大概12岁就开始打鹿了。
我估计在你19或20岁的时候,他第一次命令你对人开枪。
听起来耳熟吗?
好。
他要你靠近自己的恐惧,因为你是一名战士,生来就拥有保护弱小的天赋,但他无法平息你的躁动,在你内心深处,总是觉得自己是与众不同的。
觉得自己像个怪胎。
……你对蜜蜂过敏,不喜欢香菜。
每次打喷嚏的都是四下。
你做事细致、谨慎、自律、顽强,你喜欢拼图,还会下棋,对吧?
估计还是高手。
可你饱受失眠的折磨,你的思绪让你难以入睡。
即使勉强睡着,还会有梦魇纠缠。
那种三更半夜让人惊醒。
深感绝望无助的梦魇。
还有怀疑,那才是最糟的。
你厌恶它,更厌恶自己,因为怀疑让你变得软弱,真正的军人永远不会动摇,对吗?
你唯一觉得真正好受的时候,就是俯卧在地准备扣动扳机的那一刻,只有在那个瞬间,你才能完全了解世界。
你以为我怎么知道的?
你看着我,傻瓜!
再看看我们!
25年前,你爸爸拿走我的血,还将我克隆了,造了你,我们的基因完全一致。
他选择我是因为从未有人像我一样强。
他知道我迟早会老,到时你就能代替我。
他一直都在骗你。
他跟你说你是个孤儿,全世界有那么多人,他为什么偏偏派你来杀我?
……我想这是给你的某种庆生仪式吧?
我得死掉,还得你亲自动手。
只要我还活在世上,克雷的小实验就不算完成。
你就在为这种疯子扣动扳机。
你多大?
23吗?
还是个处男吧?
其实你的内心渴望爱情,但是你却害怕别人的亲近。
因为一旦让其他人看清楚真正的你。
谁还会爱你?
大家都成了你的攻击目标,而你不过是武器。
”
多么精彩的一段!
也正是在这一段之后,亨利和Junior两人开始了厮打。
为什么要厮打,因为一个人所有的尊严,都在这个墓室(内心隐秘处),都在此刻被全部打翻。
Junior恼羞成怒,“本我”于是对“超我”进行了反抗。
在这一段对话里,大部分时间Junior站在镜头的前景,呈现出面部特写,而通过一个过肩的镜头,我们可以看到后面站着的亨利。
此时Junior的面孔一直在抖动,来自亨利的压力则如巨大的山影海啸,正从他背后排山倒海而来。
同时,我们看到,当镜头拍出亨利的特写时,亨利的面孔也在激动和抽搐,这是威尔·史密斯一段最佳的演出——因为全部都是内心的挖掘,全都都是把汹涌澎湃的情绪按住,却让它们的线索激动地爬上嘴角,攀登到面部的肌肉上,充溢到眼睛的泪水里。
仅凭此一段对话,就足以证明这个剧本的杰出。
四最后谈一下本片开头时那个火车上的小女孩、女搭档丹妮以及电影的结尾。
关于小女孩,其他的电影里也偶尔会出现这样的情况,那就是,常有一个角色的出现虽符合现实但却不合理,可电影却给了她很多镜头。
她像一个楔子硬钉进本来紧凑的故事,使故事本身或者时间发生了部分的扭曲。
在电影的第一个场景中,这个可爱的小女孩站了起来,走到过道上,双目注视着下几秒钟就要被杀的分子科学家。
这个注视毫无道理,科学家也转头看了下她。
小女孩此时就像一个预知死亡的死神,虽然长得非常童真和可爱,却自带一种神秘的气息。
我们根本不知道她为什么站起来,为什么要看那个人。
随后她离开了,分子科学家则瞬间被击中颈部死亡。
李安的这个处理我非常喜欢,它虽然是电影中常有的那种故意做出的剧情延宕,不过是为了体现亨利这个杀手也有着柔软的内心,但这个延宕意外地制造了一种神秘的气息,一种宗教性,似乎是另一个空间的神秘观众忽然在这个世界现身。
它可能是神,可能是分子科学家的潜意识,也可能是我们在观看的观众的精神分身,总之在那一刻我们都屏住了呼吸,预感大事要来。
女搭档丹妮的形象则让我们看到李安的不守陈规。
按照一般的剧本逻辑,她和亨利需要发生感情,并在战斗中迅速升温,最后走上“苦命鸳鸯”或“雌雄大盗”的老路。
可在《双子杀手》中并没有。
不知道是否有人困惑,这位女搭档原本是负责监视亨利,必也受过专业训练若干年,怎么忽然就倒戈了?
怎么就开始一起亡命天涯?
因为李安并没有惯常的那种明显的交代。
在丹妮被发现身份时,按照一般剧情片,他们也应该有一番厮杀吧?
可李安也没有按套路来。
但是一定有更多人,完全没有在乎这一点。
所以李安的本领就是,他没有讲述这件事,可你并不觉得他需要讲,他仍能让你相信。
如果仔细剖析起来,其实我们就会发现,正是因为在剧本和影像中,编剧和导演给出了亨利一个空间,让他创造了一种极具亲和的信任感和为人坦率又不失幽默的品质,才使得女搭档忽然就愿意跟着直觉走了。
这其实是非常电影化的讲述。
而女搭档的言谈举止,动作反应,通过120帧的大特写,也立刻让观众认可了她就是亨利的“同路人”。
因为她朴素大方、亲切真诚,有着一种最开放的,让人很舒服的内心。
至于她为什么没有和亨利发生感情,而只好像是“革命友谊”。
则完全因为亨利的整个人物设定。
正如我们说那个地下古墓是亨利的隐秘内心的写照一样,在那里,亨利说给Junior的话,都是说自己:“你的内心渴望爱情,但是你却害怕别人的亲近。
因为一旦让其他人看清楚真正的你。
谁还会爱你?
”亨利是喜欢丹妮的,但是他不敢前进一步。
明显的例子是他们在飞机上飞往布达佩斯,两人对面坐着,丹妮说起感谢的话,说“感谢你没有在佐治亚丢下我”,亨利说了一个玩笑话后,随后他有一个眼光的回避,避免谈得更深,然后他就把话题扯开了,扯到了“鬼魂”上。
其实这就像哈姆雷特不敢承认自己爱奥菲利亚,反而要躲避她,伤害她。
丹妮是一个为了亨利和Junior而生的角色,她的很多功用不仅体现了编剧的不落俗套,还恰好与亨利、Junior形成了一个完美的三人关系。
要知道,她是唯一一个被邀请进入亨利隐秘内心(那个写着“游客止步”的古墓)的人。
当两人厮打时,她也在那个内心的漩涡里,她用枪瞄准Junior,却被亨利说:“不要开枪。
”我们所有人在进行自我的天人交战时,也许都有一个潜在的第三者还在场,那个在场者在这里就是丹妮。
后来也是她开枪击中Junior,救了亨利,正如前面所提到,她偶尔也可能代表了一种冥冥中的审判者,或者亨利分身出来的“超我”。
整部电影的结尾是在大学校园结束的,总体体现了一种其乐融融,天地和谐的气氛。
我前几天看水晶的一篇影评,她提到李安的结尾令她失望,并以美国剧作家卡里尔·丘吉尔(Caryl Churchill)戏剧《克隆人生》(A Number)的悲剧结尾用以反证李安作品结尾的没有深度和温和。
我刚看完这部影片时,对于这个结尾也深感不满足。
可是后来在写作本篇评论的过程中,当我又梳理了一遍剧情,我忽然觉得这似乎是一个可以理解的、最不做作和套路的结尾。
正如我前文所言,李安并没有安排亨利或者Junior任何一人死去,也正是因为,我们的内心中,“自我”和“本我”也将永存,它们会永远矛盾又和谐,共同组成我们这个复杂的人性。
在这个电影中,李安坚持挖掘和始终挖掘的一直是人性,让人性保持一种暧昧,保持一种不决绝。
这也正是我说他拍的是一部“存在主义诗篇”的原因。
比如在电影的最后,寒暄之后,亨利和丹妮对话。
丹妮:“你睡眠好吗?
”亨利:“好多了。
”丹妮:“不会梦到鬼魂了?
”亨利:“不会那么严重了。
我那天甚至还照了照镜子呢。
”丹妮:“真的?
”亨利:“其实并不可怕。
”一个人与自我的关系,终于走到了亨利之前想要的“平静与安宁”,还有什么比这样更好?
可是谁又知道他是否真的可以迎来“平静和安宁”?
危机当然在,毕竟克隆人已经像正常人那样在世界上生活了起来。
但是这一切造成的隐隐的、潜在的压力,也只能留在观众的心里,变成一个真实的、可供担忧的,却又无能为力的危机。
“无边落木萧萧下,不尽长江滚滚来”,如果那一天到来了,那就面对吧,像亨利那样。
除此没有别的方法。
就像李安不是反抗,而是选择用120帧的探索来拥抱数码时代一样。
如果从这个角度来讲,谁又还能说李安的这个结尾不够意味深长呢?
(本文首发于腾讯大家Ipress,未经同意不可转载)
下午在外媒关于《双子杀手》的报道和评论中读到一句话:Too much realism is the natural enemy of illusion.——这句话可谓一针飙血,直指问题核心,也勾起了我探讨这个议题的欲望。
千百年来,西方绘画是一门在二维画布上创造三维错觉的艺术,一般意义上的自然主义和现实主义是西方绘画的传统。
但是,除了少量运用Trompe-l'œil技法的静物画是追求以假乱真调戏观众,绝大多数绘画都不追求百分之百地复刻物理现实,它们追求的是从观众视角的心理现实。
我们说伦勃朗的肖像画栩栩如生,简直把人画活了,不是指他画的纤毫毕现,连画中人的每一个毛孔都仿佛在呼吸。
事实上,他很少使用如此细腻的手法,他大量使用粗砺和厚涂的笔触,根本就看不到任何毛孔。
当观众在一个布展和打光都很专业的博物馆里看到他的作品时,却明显地有一种画中人随时要从画布上走下来的心理真实感,这种高潮迭起的审美体验就是观众需要的。
这种心理真实感的营造,是通过光影色彩的巧妙调配、人物情绪和场景戏剧性的悉心刻画综合而成的,而不是通过追求物理上与现实的精确相似性来达到的。
事实上,一幅看上去跟照片一模一样的画登不上大雅之堂,你不过是技巧高超地抄袭了一张照片罢了。
西方当代艺术中的照相现实主义,也不是复刻照片,恰恰它是超越了照片的真实感,衍生出一番新的审美趣味才得以成立。
(当然了,有些中国艺术家追求画得跟真的一样,只能另当别论。
)一言以蔽之:非不能也,是不为也。
以达芬奇或者伦勃朗所掌握的天才技法,他们完全可以把一幅肖像画到百分百高保真的程度,但是他们没有这么做,正因为如此,他们是伟大的艺术家,而不是平庸的画匠。
他们懂得艺术的真谛和取悦观众的秘密。
这一点,恐怕正是李安导演所陷入的误区,他从不懈追求心理真实转向了极端追求物理真实,并将其视之为一种革命性的创新,一味地指望观众来适应这种全新的观影方式,却丝毫意识不到脱离了心理真实的视觉革命,或许只是在缘木求鱼。
对于《双子杀手》的视觉呈现,具体分四条来讨论。
第一,对于片中大量的非动作场景,镜头所呈现出的高度物理真实严重缺少心理真实感,那些日常场景带给观众的感受,与我们的日常感受不符。
比如说,我们走进一个房间,在快速扫视之后目光会被某个显眼的物品所吸引,从而自动忽视了其他物品,而不会是像在本片中,由于背景里有大量的物品是清晰可见的,观众的注意力就容易被分散(特别是在没有对白的片刻或者对于英语听力不错的观众),但实际上这些物品并不存在电影语言上的指示性;类似地,当我们跟一个人面对面交谈时,我们的主要注意力就是对方的眼睛和嘴巴,而纤毫毕现的电影却让观众会注意到特写镜头里演员脸上的毛孔甚至睫毛的根数,这些琐碎的细节信息跟电影有什么关系呢?
观众掌握了这些信息有什么意义呢?
这就回到了一开始说的伦勃朗的肖像画,观众进电影院是欣赏演员的表演,不是观看毛孔的呼吸。
正是因为心理真实感不存在,观众看到这样高度物理真实的场景并不会有身临其境感,反而觉得它“太假了”。
这正是标题那句话的含义。
如果物理真实就可以带来身临其境感,古希腊剧场里的演员为什么要戴上面具呢?
电影片场的演员为什么要额外扑粉化妆呢?
艺术中的现实主义与现实不能直接划等号。
第二,对于片中的运动场景,存在的问题是类似于第一条的。
人类的眼睛天生就无法看清高速运动中的物体,我们一直也就是这么在看世界,那么你把远处一列高速行驶的火车上的乘客都让观众看清的意义是什么?
无效的镜头语言,只能沦为抖机灵式的奇技淫巧。
还有摩托车追逐那场戏,我相信很多观众都领略过无数好莱坞大片里惊险刺激的此类场景,其中高速飞驰的惊险感,很大程度上就是靠视效上的运动模糊(motion blur)配合音效上的各种嗖嗖嗖来营造的,结果到了《双子杀手》里,观众看到了全程运动清晰的一场追车戏,我们像交警调用慢镜头监控录像一样把过程看得清清楚楚,就差认定谁是交通肇事者啦,可是惊险感还剩多少呢?
技术进步固然可以超前并引领观众,但观众作为具有特定生理构成的一种生物,也注定了技术必须要以人为本。
否则的话,干嘛不大胆创新地用人眼看不到的非可见光来拍电影?
或者用蜜蜂的复眼视角来拍电影?
技术上都可以实现的嘛,可是这些跟人有什么关系呢?
第三,对于片中的打斗场景,镜头所呈现出的高度物理真实不一定要符合心理真实,毕竟观众都明白动作戏是假的,是与日常生活经验有距离的(平时围观旁人打架我们看不清每拳每脚)。
那么可以将其理解为一种艺术上的全新视觉语法(比如当年《黑客帝国》里惊艳观众的360度旋转场景),但此处仍然存在一个问题:观众一定要把动作场面的一招一式都看清吗?
比如张艺谋在《英雄》里玩慢放式的武打动作拆解,想传递的是片中角色的武学和哲学理念,那么李安导演你的意图是什么呢?
本片中几场打斗戏本身谈不上多精彩,如果看清一招一式对审美不构成额外的增益,不会让大脑中更多的神经元产生兴奋,那么它就再次沦为奇技淫巧。
反过来想,诚然有不少粗制滥造的动作电影里的打斗场面确实糊观众一脸,但仍然有不少优秀的动作电影做到了在24帧的条件下让观众看得赏心悦目,最经典的例子当属《七武士》,黑泽明采用了多机位摄影加镜头时间上的部分重合。
如果24帧已经存在解决方案,为什么一定要换成120帧呢?
就算帧数确实应该与时俱进地增加,为什么一加就是120帧呢?
如果说当年的24帧是囿于条件的武断选择,那120帧经过了科学论证吗?
更何况你拿出的最终产品并没有什么惊世骇俗的效果。
第四,目前对于120帧的运用还存在一个明显的短板,就是摄影机没有相对应的技术更新。
我想很多看过120帧的观众应该注意到了,演员的一举一动常常存在一种不正常的微小卡顿感,在日常一般性的动作中尤其明显。
按说提高帧数就是用来解决卡顿问题的,但却造成了新的卡顿:这是因为虽然帧数更多让演员的动作更连贯,但是摄影机却没能保证同步的连贯,当摄影师操纵的摄影机不是沿着某个方向精准地匀速移动,或者在移动过程中产生了任何微小的抖动,就会造成画面的卡顿。
在《比利林恩》里,由于好歹剧情丰富、画面色彩鲜艳,我还能比较多地忽视这种卡顿,但在《双子杀手》里,由于剧情老套无聊、画面暗哑无光,这种频繁存在的卡顿就加剧了我的出戏。
因为它“太假了”。
最后想说的,也是我在看过《比利林恩》之后就说过的,我绝不是技术上的保守主义者,相反,我无比乐见为电影带来革命的新技术。
症结在于,李安导演执着的这个新技术并没有带来什么开天辟地的新革命,至少两次答卷都不令人满意,甚至是问题多多。
在我看来,他很可能犯了一个方向性的错误,观众所追求的绝不是把什么细节都看得清清楚楚。
否则的话,我也可以立个flag,开发一种新技术,不仅能让观众看清演员脸上的毛孔,而且连毛孔里的螨虫都能看清,那绝对是一个更加接近物理真实的视界,但它却跟观众的心理真实渐行渐远。
希望李安导演不要在迷途上越走越远。
大家都说这个电影不好看,我想这可是大师李安导演的片子,再不好看也会有亮点和惊喜的。我错了,除了高清高亮高帧外,还真的没什么亮点。看着平平淡淡,看得昏昏欲睡。知道李大师有情怀,有先见,我也信这种说法,但这个片子不看也罢。
7.0 先不考虑剧作上的问题,观看120帧这种全新的有一种身临其境的爽感,得天独厚的优势带来前所未见的真实,甚至,超越了我们所定义的“真实”。固然,我们仍不知道这种失真感是好是坏,但它给人造成的视觉冲击足以称赞。李安在挑战着电影的未来,即使不一定成功。
2K/60帧一刷+4K/120帧二刷,很认同大家对于本片方法论与试验性的阐释,但是纵观影史,这种对于终极目标的达成并非是不能用传统格式(2D/24帧)的电影来实现的,很多导演都做到过,所以也真的不能完全认同120帧是电影的未来
3D,120帧版本。第一体验是确实流畅清晰了许多,甚至多少有些不适应,也很难谈得上喜欢,说不准的技术突破究竟会带来多大程度的革新,只能保持观望。至于技术之外的内容,一个腐朽老套的故事,一眼望到底,基本无悬念,动作戏尚可,其余戏份大体无趣,再怎么想方设法地去剖析主题,也改变不了它就是这么一部一般的甚至是平庸的商业片的事实。
一位身手矫健自我反省的退休特工和几个功能性的配角,一个吸引人的科幻高概念搭配上贝尼奥夫尴尬的原创剧本,还有ptsd hater李安,调制出票价39.9元在宁波影都天伦店杜比音效厅播放失败的年度动作喜剧。一份票价能看两个史密斯,绝对超值。史密斯悲天悯人的眼神和为了爱而抽动的嘴角,越来越接近汤姆汉克斯,果然所有套路影帝最后都会大差不差。
如临游戏的高帧体验,清晰跟随的动作场面,只可惜这套救赎自己的老故事,没有与具先锋性精细呈现的真技术齐头并进,当是李安的技术尝试品吧。
照李安的意思说,用了新技术还是投注于人物,而「制造」出一个年轻的自己,反而失去了「鬼魅」应有的飘渺又时刻笼罩的阴森氛围。从这个角度说,这片反而不如像《比利林恩的中场休息》那样,用新技术打造场面,突出环境-逼近面孔-深入内心。说白了就是太具体、太实在了。可以再参照《少年派》,老虎可以是恐惧的具象,也可以另有所指,如此才有余味。再看那些打斗戏,拍得多且卖力,反不如几具白骨冲击人心。越实在,也就越接近于常规好莱坞动作片。剧作方面太俗套了,拖拖拉拉得不像样子。故事内核,父子冲突加倍了,却没形成张力。给人触动的仅有镜像、冰淇淋这些意象。李安的棋真的走错了。
李安拍的动作片节奏多少都有点问题,而这部是真的问题很大。
跪了 看之前我想能拍成绿巨人那样我也满足了 这真不是技术上问题啊 我非常怀疑李安老好人接了一个烂摊子
作为动作片真是平淡无奇,两个小时只有两场拿得出手的场面,全片废话连篇,节奏慢热,台词絮叨,把一个老套的克隆故事拍的清汤寡水,主题探讨只停留在故事本身,纵深层面毫无涉猎,庸常的救赎,无聊的杀手游戏,那些李安风格的苦大仇深和语重心长,放在这样一部纯商业类型片的语境中简直如坐针毡。电影本身不出彩,就搞技术革新,120桢格式大部分浪费在了咖啡聊天上,那场开场40分钟后的摩托车追逐战倒是印象深刻,景深推移和技术视角,让人身临其境,一种极少有的浸入式体验,场面也在一片优柔寡断中分外凌厉,李安还是应该时不时抽身拍点自己能掌控大局的电影,看的出,资本市场的规则和运作磨平了他不少棱角
3.5,李安虽然在努力推动技术,可是却没有忘记自己的作者表达,我一开始就最怕这一点,但是与父权的对抗一直围绕在电影里面,润物细无声,两位“父亲”与个体挣扎,虽然剧本对这些东西描绘的很浅,意外的能看到已经觉得不错,年轻的威尔史密斯跳来跳去非常《卧虎藏龙》,格局太小,剧情推动的太生硬,科幻和动作的东西太保守(除摩托车段),看的60帧,电影已经失去那种电影感,呈现的是真实的立体感,无论这个技术以后会怎么样,大胆的李安我觉得以后会后继有人,无论他拍的怎样,总有一天会有人抓住这个技术的核心拍出不错的东西。
这说明了Will Smith is a national treasure that needs to be cloned for preservation啊...如果在家看的话我大概会觉得这故事内核已经讲到烂了,但在大银幕上看还是很让人沉浸的观影体验。
反了一辈子父权的李安大概借科幻题材描述了一个父权制的终极噩梦:借助爱国、强权和科技的加成,男性让自己的Y染色体可以千秋万代地传承下去。不必有妈,爸爸爱你。(←为这傻故事强行找补一点主题);机车追逐戏的长镜头高清晰度大景深还是值回票价的(如果能买到高配打折票价的话);“蹙眉凝泪”完全是东亚式的标准悲愤表情,频频出现在CG化后的Will叔假脸上,还蛮想笑的。
四星半。《双子杀手》昨天国际评分开分,不是太理想,但我坚持自己对于李安的判断:这部电影的最重要看点,并不在于拍了什么故事,而在于用什么样的方法/技术手段去讲故事。这是关心故事和奇观的观众,通常会忽视的切入点,他们不晓得,安叔要做的,以及怀揣的雄心,其实是要重生一种新的电影语言概念——它可以放置于各种传统商业类型当中,正如《比利林恩中场战事》《双子杀手》和未来的《马尼拉之战》中,并配合道道地地的李安作者风格,比如对父子关系的一贯探索。讲真,想到一种面向未来的电影语言可能由我们华人开创,我是激动的——戈达尔说,电影始于格里菲斯,终结于阿巴斯。安叔要做的,就是当21世纪的格里菲斯。
你说差,其实也不算太差,更多的是失望。但比起李安之前的作品确实是相差甚远。有些镜头画面确实不错,摩托车追逐战那段也确实够惊艳刺激的。但相比较下,这小小的惊艳以及电影在技术上的创新是不足以拉高这部影片质量的。再好的技术,终究也得回归到故事剧本上来。动作戏较少,文戏很多且很无聊。影片后面对自我的认知以及父与子的探讨思考,其实都掩盖不了整体上简单俗套、枯燥乏味。
如果不是李安这个剧本我简直想一星。因为是李安,我思索这会不会是个宗教哲学片?Clay代表上帝,三个人代表自我本我超我?
不去电影院是体会不到清晰的影像是怎样支撑这部电影的。一定要去电影院。讨论这个问题最后肯定会回到原点,就是“电影是什么?”你怎样看电影是什么?你是怎么看待电影的?电影就是在讲述一个故事吗?现在的特效在电影中的比重是多少?视觉效果能不能强大到独立支撑一部电影?我想是可以的。我觉得迄今为止,真正的依靠画面就可以支撑电影的就是这一部。电影之所以为电影,它是依靠什么来支撑自己的?李安说想让大家感觉到浸淫感,他做到了。他说其实世界上最好看的是人的脸,因为特效贵才把钱花在怪兽和外星人上,我感觉到了,从比利林恩那部就感觉到了,脸部细微的捕捉,的确魅力无穷。这些才是这部电影的关键。是李安走在了时代的前面,如同马奈走在绘画的前面一样。当初默片变有声也是如此,每一次电影发生变革都会有不停的反对声音,都是正常的。
技术上的突破无疑将李安的野心暴露无遗,吊打以往任何伪3D,高帧率带来的流畅感和沉浸感无与伦比,亮度提升显著,色域更广动态范围更宽,画面无比细腻,几场打斗戏和追逐戏实为震撼。就是票价太贵了,170大洋,去年比利林恩的一半,可还是觉得贵,希望以后的电影都照着这个标准来。故事并不突出,就当是李安技术革命的小白鼠了。
李安真的是和daddy issue纠缠了一辈子……不过他显然吸取了上一部戏的教训,就是不要试图在一部戏里放太多的尝试,如果尝试重点在技术,那么在情节上就尽量选他最擅长的部分来拍,而且不要搞的太复杂太剧情流,而更多是在关系探索(人与自我、人与父亲、人与元存在),这样好让他留出精力、也让观众留出精力来更多地感受技术与形式上的探索。动作戏太拟真了,衬的以往的动作片都跟玩儿似的。要重刷120帧版。
用金刚狼3、终结者、月球等等玩腻了的老梗,李安这是举起石头砸自己的脚。